Hayao Miyazaki: Un repaso a su trayectoria

El 5 de enero de 1941 nacía Hayao Miyazaki, uno de los directores de animación más prestigiosos de la industria, y por ello, en nuestro blog hemos querido rendirle nuestro particular homenaje y hacer un repaso a su trayectoria. Además de dirigir, Hayao Miyazaki ha sido productor, ilustrador y dibujante de mangas, con una extensa carrera que ha durado cinco décadas.

Desde que era joven ya se mostraba interesado en dedicarse a la animación, influenciado por artistas como Tetsuji Fukushima, Soji Yamakawa y Osuma Tezuka, pero decidió coger su propio rumbo porque consideraba que sus primeros "trabajos" eran una copia.

En 1963, Hayao Miyazaki encontró su primer trabajo como Tweening para la compañía Toei Animation en un anime llamado Watchdog Bow Bow. Ya en 1968 desempeñó la función de jefe de animación en Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol, una película dirigida por Isao Takahata. En 1971, Miyazaki abandonó Toei Animation para trabajar en series de animación como Pippi Långstrump y Lupin III, donde colaboró como co-director y co-productor. En 1974 comenzó a trabajar en World Masterpiece Theater, donde se produjo Heidi, la adaptación de la novela de Johana Spyri, hasta que en 1975 cambió su nombre por Nippon Animation y Miyazaki dirigió la serie de animación Conan, el niño del futuro.

En 1979 dirigió su primer largometraje, El castillo de Cagliostro, basada en el manga y la serie de anime del famoso ladrón y maestro del disfraz Lupín III, que en esta ocasión y acompañado de sus amigos Jigen, un experto en armas, un samurái llamado Goemon y Fujiko, que parece tener una extraña relación de amor-odio con Lupin, se ve inmerso en la investigación de un misterioso tesoro del siglo XV (trailer).

El castillo de Cagliostro supuso un impulso para la carrera de Miyazaki y hoy en día está considerado como un clásico de la animación. Una película muy recomendable para pasar un rato muy divertido.

En 1984 se estrenó su segunda película, Nausicaä del Valle del Viento, que además está inspirada en una novela creada por él mismo que estaba compuesta por 7 volúmenes y se publicó entre 1982 y 1994 y se sitúa en un futuro postapocalíptico tras una guerra que ha devastado el planeta mientras que los supervivientes viven en poblados alejados de la contaminación. Todo parece ir "bien" hasta que el reino de Tolmekia, uno de los reinos más poderosos, planea resucitar a un dios de la guerra para acabar con la contaminación, pero Nausicaä, princesa del Valle del Viento, tratará de impedirlo (trailer).

Para crear Nausicaä del Valle del Viento, Miyazaki se inspiró en otras sagas de literatura fantástica, como Terramar, de Ursula K. Le Guin, Anochecer de Isaac Asimov y El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien. La película tiene un tono anti-belicista y promueve el respeto y la conservación de la naturaleza, algo que ha caracterizado las películas de Miyazaki.

Nausicaä del Valle del Viento tuvo un gran éxito y causó un gran impacto mediático y pese a que se estrenó antes de la fundación del Studio Ghibli, está considerada como parte de la filmografía porque de su éxito dependía la creación del famoso estudio de animación. La película fue realizada por diversos animadores, entre los que destaca Hideaki Anno, el creador de Neon Genesis Evangelion. Nausicaä del Valle del Viento ha sufrido diversas modificaciones desde su estreno, y posteriormente, Disney volvió a reeditar una versión sin modificar.

En la primera distribución, se recortaron 30 minutos de película alegando lentitud en la trama, por ello se perdió parte del fondo narrativo, lo que provocó la ira de los fans de la película. En su segunda distribución, la compañía de Mickey Mouse se encargó del doblaje en inglés, y contó con actores como Alison Lohman doblando a Nausicaä, Uma Thurman doblando a Lady Kushana, la líder del reino de Tolmekia, Patrick Stewart, Mark Hamill y Shia LaBeouf. La banda sonora de la película fue compuesta por Joe Hisaishi.

En 1985, Hayao Miyazaki e Isao Takahata fundaron el Studio Ghibli gracias al éxito de Nausicaä del Valle del Viento, y un año después se estrenó El castillo en el cielo, la primera película con el sello del estudio. La película trata sobre Sheeta, una chica que esconde el secreto para abrir la Fortaleza Celeste situada en una isla flotante creada por una raza desaparecida de la Tierra. Sheeta se verá perseguida cuando conoce a Pazu, un joven que la ayudará en su búsqueda de la fortaleza (trailer).

Al igual que Nausicaä del Valle del Viento, la película tuvo algunas modificaciones en su distribución. En el doblaje en español, tanto el título como el nombre de la isla fueron cambiados, ya que su nombre original, Laputa, fue cambiado por Lapuntu por razones obvias, a diferencia del nuevo doblaje que conserva el nombre original. Actores como Anna Paquin (True Blood), Mark Hamill, y Mandy Patinkin (La Princesa Prometida) forman parte del reparto de doblaje en la versión inglesa.

En 1988 se estrenó la cuarta película de Ghibli, y quizá una de sus películas más emblemáticas que protagonizan el logotipo del estudio: Mi vecino Totoro. La película nos presenta a Mei y a Satsuki, dos niñas que se mudan con su padre al campo, mientras su madre se recupera de tuberculosis en el hospital.Allí, Mei descubre a unos seres que sólo ella puede ver. Emocionada por estos pequeños seres, se decide a ir en busca del rey del bosque (trailer).

Mi vecino Totoro logró un gran éxito en Japón y está considerado como el equivalente a Winnie the Poo en occidente. La película se estrenó junto con La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, como si de las dos caras de una misma moneda se tratase. En 1993 se estrenó en Estados Unidos, y en 2005 fue distribuida por Disney, haciendo cambios en el doblaje en inglés, contando con actrices como Dakota y Elle Fanning. La película llegó a España en 2009, y ese mismo año se lanzó en DVD. Debido a su gran impacto cultural, la figura de Totoro ha aparecido en otras películas, como en Toy Story 3. En 2003 se estrenó el cortometraje Mei y el gatobús, que cuenta las aventuras de Mei y el descendiente del gatobús. Como curiosidad, circula por ahí una leyenda urbana sobre esta película que se explica muy bien en este artículo, pero mejor haber visto antes la película.

En 1989 se estrenó Nicky, la aprendiz de bruja, cuya protagonista, como manda la tradición, debe abandonar su casa al cumplir 13 años para convertirse en bruja y encontrar una ciudad en la que vivir durante al menos un año. Pero no estará sola, ya que la acompaña su gato Jiji. Con el tiempo, Nicky hará muchos amigos y aprenderá a conocerse a sí misma y de lo que es capaz (trailer).

Esta película supone una transición de la niñez hacia la madurez y fue una de las películas más taquilleras en el país nipón, además de ser la primera del estudio en ser conocida internacionalmente, ya que fue la primera distribuida por Disney. Pese a ello, en nuestro país se estrenó en 2003, y reestrenada en 2010. En la versión en inglés, Kirsten Dunst fue la encargada de doblar a la protagonista. En el año 2014 se estrenó una película de acción real.

En 1992, se estrenó la séptima película del estudio: Porco Rosso. La película nos sitúa en Italia en un periodo de entre-guerra, y el protagonista es un famoso piloto que cae en un extraño maleficio que le hace tener la apariencia de un cerdo. Alejado con todo lo que tenga que ver con la guerra, se convierte en un cazarrecompensas y se dedica a detener a las bandas de piratas, hasta que estos deciden contratatar a alguien para acabar con él (trailer).

Porco Rosso está basada en el manga The Age of the flying Boat, y originariamente iba a ser un cortometraje para emitirse en las Japan Airlines, pero al final quedó como un largometraje y se estrenó en cines, logrando ser número 1 en taquilla en su primer fin de semana. España fue el primer país occidental en el que se estrenó la película en 1994, En la versión en inglés fue Michael Keaton el encargado de doblar al protagonista, mientras que en Francia fue Jean Reno. Hace algún tiempo se habló de una posible secuela que llevaría por título Porco Rosso: The Last Sortie, pero no ha vuelto a hacerse ningún comentario, por lo que el proyecto quedó congelado.

En 1997 se estrenó otra de las películas más famosas del Studio Ghibli: La Princesa Mononoke. una película ambientada en la época medieval, donde se nos presenta a Ashitaka, un joven que cae presa de una maldición, y para salvarse, parte en busca del Espíritu del Bosque para que le libere. Por el camino descubrirá el enfrentamiento entre los humanos que quieren hacerse con los recursos de la naturaleza y las criaturas del bosque que tratan de defender su reino. Además conocerá a San, una joven que vive con los lobos (trailer).

Tras la experiencia en la edición de Nausicaä del Valle del Viento, se adoptó la política de "tolerancia cero" en cuanto a recortar metraje, La cosa llegó a tal extremo, que uno de los productores de Studio Ghibli mandó a Harvey Weinsten una katana auténtica con un mensaje: "Sin cortes". Sobre esta anécdota, Miyazaki únicamente comentó que fue su productor quien lo hizo. Pese a todo esto, La Princesa Mononoke tuvo un gran éxito en Japón y fue una fuente de inspiración para producciones de Disney como Fantasía 2000 y tuvo más éxito en taquilla que Titanic.

La siguiente película dirigida por Miyazaki fue El viaje de Chihiro en el año 2001, siendo la decimotercera película del estudio. Chihiro es una niña de 10 años que está de mudanza con sus padres. Es entonces cuando su padre decide tomar un atajo y acaban perdidos en una ciudad abandonada al atravesar un túnel. Sus padres acaban convertido en cerdos (véase la pasión por los cerdos de Miyazaki), y Chihiro se verá obligada a trabajar en unos baños termales mientras encuentra la forma de romper el hechizo. Allí se encontrará con espíritus y otros seres de fantasía (trailer).

El tema principal de la película puede decirse que se centra en un viaje que hace la protagonista a un mundo que se aleja de todo lo que ella conoce, y que está lleno de todo tipo de seres. No puede evitarse la comparación con Alicia en el País de las Maravillas, ya que ambas protagonistas atraviesan un cambio hacia la madurez.

El viaje de Chihiro tuvo un éxito mundial consiguiendo un total de treinta y cinco premios, entre los que se incluye un Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Ice Age, Lilo & Stitch, Spirit: El corcel indomable y El planeta del tesoro, siendo la primera película del estudio en lograr ese galardón. Entre su reparto de doblaje en nuestro idioma, destacan Jordi Boixaderas (la voz de Russel Crowe y Gerard Butler) y Pepe Mediavilla (La voz de Morgan Freeman).

En 2004 se estrenó El Castillo Ambulante, una película basada en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones. La historia se centra en Sophie, una joven que trabaja en un taller de sombreros cuando un día es víctima de una terrible maldición que la hace envejecer. En un mundo en guerra, Sophie emprenderá un viaje en busca del único que puede ayudarla: Howl, un mago que vive en un castillo ambulante (trailer).

Como toda adaptación de una novela, hay algunas diferencias, como en la personalidad de los protagonistas, en el caso de Howl, en la novela es alguien mujeriego y gusta de buscar rivales a los que enfrentarse, mientras que en la película, es reflejado como alguien que cuestiona los motivos que provocan las guerras, por lo tanto, uno de los temas de fondo de la película es el pacifismo.

Disney se encargó del doblaje en inglés, y se contó con actores como Emily Mortimer, Christian Bale, Lauren Bacall, Billy Crystal y Josh Hutcherson, mientras que en el doblaje en español, la voz que más nos suena es la de Iván Muelas, que también dobló a Fry en Futurama. El castillo ambulante fue nominada a los Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con La novia cadáver y Wallace y Gromit: la maldición de las verduras, siendo esta la ganadora.

En 2010 se estrenó una película con un tono más infantil que las anteriores: Ponyo en el acantilado, que es algo así como una versión de La Sirenita. El protagonista es un niño llamado Sousuke que un día se encuentra con una niña-pez a quién pone de nombre Ponyo, pero su padre, es un brujo que no acepta que su hija quiera vivir entre los humanos, pero Ponyo ha tomado una decisión y la seguirá aunque ello ponga el mundo patas arriba (trailer).

Hasta la fecha, Ponyo en el acantilado es de las películas que más distribución ha recibido y no hubo mucho tiempo de diferencia respecto a los estrenos en cines de todo el mundo. La película fue preseleccionada para los Óscar de 2009, pero no consiguió el apoyo suficiente para recibir la nominación.

Y llegando ya a la última película dirigida por Miyazaki, El viento se levanta se estrenó en 2013, y es un biopic que se basa en el ingeniero aeronáutico Jirō Horikoshi, diseñador del avión de combate Zero, responsable del bombardeo a Pearl Harbor. En la película se muestra a Jirō como un joven soñador que quiere por encima de todo dedicarse al diseño de los aviones. (trailer)

La película muestra con gran fidelidad otros acontecimientos importantes de la época, como el terremoto de Kanto de 1923, la Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El viento se levanta está basada en la novela El viento se alza de Tatsuo Hori, escrita entre 1936 y 1937. Como otras producciones de Ghibli, contiene un mensaje antibelicista, pero a su vez, muestra el sistema político de aquella época, hecho que causó una gran polémica por parte de los políticos, pero pese a todo ello, es una buena película de animación que cuida todos los detalles y diseños de los personajes, así como los escenarios. En la 86ª edición de los Oscar, El viento se levanta optó al galardon en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Frozen, Ernest & Célestine y Gru 2. Mi villano favorito, siendo Frozen la ganadora.

Tras esta última película, Miyazaki anunció su retirada del cine de animación, por lo que se le concedió en la gala de los Oscar en enero de 2015 un premio honorífico como reconocimiento a toda su carrera. Y en 2008, el compositor Joe Hisaishi, habitual colaborador en la mayoría de películas de Ghibli, dio un concierto conmemorativo donde se interpretaron algunas de sus bandas sonoras. Entre 2002 y 2006, Miyazaki dirigió varias películas para ser exhibidas exclusivamente en el Museo Ghibli: Koro's Big Day Out (2002), Looking for a Home (2006), Mon Mon the Water Spider (2006) y The Day I Harvested A Star (2006).

Películas para ver estas navidades.

Ya estamos bien entraditos en las navidades, y las cadenas de televisión nos bombardean a películas navideñas. Pues nosotros no vamos a ser menos, y para que podáis disfrutar en estas fiestas, os hemos preparado una lista de películas para que disfrutéis de las navidades.

Cuento de Navidad es una película de animación del año 2009 y una de las muchas adaptaciones que se han hecho de la novela escrita por Charles Dickens en 1843. Cuenta la historia de Ebenezer Scrooge, un viejo cascarrabias que trata con desprecio y de mala gana a su fiel empleado Bob Cratchit y a su alegre sobrino Fred.
Pero cuando los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras se le aparecen, su vida dará un giro de 360 grados y descubrirá que debe cambiar de actitud para poder reparar tantos años de avaricia, así como re-descubrir el verdadero significado de la Navidad. (tráiler)

La película está dirigida por Robert Zemeckis, y protagonizada por Jim Carrey, quien carga con casi todo el peso de la película, ya que presta su voz al protagonista en todas las etapas de su vida, así como de los tres espíritus que le visitan, pero en la versión en castellano, el actor de doblaje más conocido es el habitual de Jim Carrey, Luís Posada. Gary Oldman dobla a Bob Cratchit, así como al narrador de la historia. También prestan su voz a la película Colin Firth, Bob Hoskins y Cary Elwes.

La música está compuesta por Alan Silvestri, quien ha trabajado en otras bandas sonoras reconocidas como Regreso al futuro, Forrest Gump, Los Vengadores y Polar Express. Y cabe destacar la colaboración del cantante Andrea Bocceli y su interpretación de God Bless Us Everyone, tanto en inglés como en español. Pero no podemos dejarnos el tema principal de la banda sonora.

¡Vaya Santa Claus! es la típica película que suelen poner todos los años en Nochebuena. Tim Allen es Scott, un padre divorciado que está enfadado con el mundo y que apenas cree en Santa Claus, hasta que una noche oye un ruido en el tejado y sale a averiguar de qué se trata. Allí descubre a un individuo vestido de Santa Claus que termina cayendo del tejado, y al ponerse Scott su abrigo, se verá obligado a ocupar su lugar con todo lo que ello conlleva: engordar y tener barba. (trailer)

Puede que ¡Vaya Santa Claus! no sea una de las mejores películas navideñas, pero es un film recomendable para ver en familia, sobretodo si en casa hay peques, ya que ellos la disfrutarán más. No deja de ser una historia emotiva con ese toque de humor característico de Tim Allen (que ha trabajado en más de una película navideña). Es una película que, pese a los años, se puede disfrutar una y otra vez sin importar las veces que la hayas visto.

¡Socorro, ya es Navidad! es una comedia de finales de los 80 protagonizada por el actor cómico Chevy Chase, y es una secuela de la saga iniciada en 1983 con Las vacaciones de una chiflada familia americana. En esta ocasión, Clark Griswold, llevado por el espíritu navideño, planea dar una sorpresa a  su familia con una gran fiesta de Navidad. Pero una vez más, la suerte no le acompaña... ya que se desencadenarán una serie de divertidos acontecimientos que mandarán al traste los planes de Clark. (trailer)

Tercera entrega de las aventuras de la familia Griswold, que esta vez pasarán las vacaciones en casa, pero eso no les va a librar de la hecatombe. La película no busca otra cosa que no sea entretener al público con situaciones inverosímiles y delirantes en esta comedia típica de los 80, y que cuenta en su reparto con actores conocidos como Juliette Lewis, Johnny Galecki (Leonard en The Big Bang Theory) y Randy Quaid.

No tan típica es Tokyo Godfathers, una película de animación japonesa del año 2003, dirigida por Satoshi Kon (Perfect Blue), y cuenta la historia de tres vagabundos, Gin, Hana y Miyuki, que, una noche encuentran un bebé abandonado entre un montón de basura. Entonces se enzarzan en una discusión sobre si deben entregarlo a la policía o quedarse con él. Es entonces cuando deciden buscar a la familia del bebé. (trailer)

Es una entrañable historia de como tres personas tan diferentes y con sus historias personales (un transexual, un bebedor compulsivo y una chica que ha huido de casa), consiguen conectar de la forma que se ve en la película, y todos ellos deberán aprender a reconciliarse con su pasado. La película combina a la perfección escenas de comedia y drama sin llegar a caer en el sentimentalismo. Toda una joya de la animación que en 2003 ganó un premio en el Festival de Sitges en la categoría de Mejor largometraje de animación.

Vamos ahora con todo un clásico navideño: Solo en casa. Los McAllister son una familia muy numerosa que se prepara para pasar las navidades en París, pero accidentalmente olvidan a su hijo pequeño, Kevin, y este se queda solo en casa. Al final no le quedará más remedio que aprender a vivir solo y defender su casa de dos ladrones que planean entrar a robar. (trailer)

Solo en casa es una película dirigida por Chris Columbus, y fue una de las películas más exitosas de los años 90, una película para toda la familia, con momentos muy divertidos a la par que emotivos, con una banda sonora inolvidable compuesta por el genial John Williams, siendo uno de los temas más destacados la canción Somewhere in My Memory.

En 1992 se estrenó su secuela, Solo en casa 2: perdido en Nueva York, que sigue más o menos el mismo patrón de la primera pero traslada la acción a la Gran Manzana. Lo bueno es que en esta secuela volvemos a ver a Harry y a Marv (Joe Pesci y Daniel Stern). Menos éxito, por no decir ninguno, tuvo Solo en casa 3, estrenada en 1997 y que no tenía nada que ver con las dos anteriores. Ya en 2002 se estrenó Solo en casa 4, una película para televisión que tenía como protagonistas a los mismos personajes que en primera, pero con otros actores, y la verdad es que no fue mucho mejor que Solo en casa 3. Y diez años después se estrenó la "quinta entrega", Solo en casa 5. Es lo más normal del mundo que estas "tres secuelas" hayan caído en el olvido, porque no son más que meros subproductos.

¿Cuál es la peor pesadilla para un padre cuando llegan las navidades? Normalmente, todos los años siempre hay un juguete que se pone de moda y todos los niños lo piden para Navidad. Esto conlleva que muchos padres (y los no padres), se vuelvan loco buscándolos. A este problema debe enfrentarse Arnold Schwarzenegger en Un padre en apuros, que interpreta a un hombre de negocios que siempre está hasta arriba de trabajo y descuida a su familia. Para compensarlo, le promete a su hijo que le regalará el juguete de moda: el muñeco Turboman. Pero cuando va a comprarlo, descubre que está agotado, y emprenderá una loca carrera con tal de conseguirlo. (trailer)

Completan el reparto Jake Lloyd (antes de ser Anakin Skywalker), como el hijo de Schwarzenegger, y el humorista Sinbad, como el rival en la película. También hacen un cameo James Belushi y Martin Mull, el director del instituto en Sabrina, cosas de brujas. Un padre en apuros es otra película para ver en familia cuyo único fin es entretener. Algunos conservamos los recuerdos de haber visto esta película en el cine, cuando entonces se podía ir con toda la familia. Por eso, pese a que no sea la película del año, se vuelve a visionar con cierta nostalgia.

Love Actually es una comedia romántica de nacionalidad británica. La peculiaridad de esta película es su formato, ya que en ella se narran varias historias cruzadas con personajes muy variopintos: el primer ministro británico (Hugh Grant), una vieja estrella del rock (Bill Nighy), un escritor (Colin Firth) que se enamora de su asistenta de origen portugués o un actor porno (Martin Freeman) que se enamora de su "compañera" de rodaje. (trailer)

Estas son algunas de las historias que nos cuentan en Love Actually, pero el tema central de la película es mostrarnos que el amor está en todas partes, con sus más y sus menos. La película está llena de rostros conocidos: Liam Neeson, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Chiwetel Ejiofor, Andrew Lincoln, Thomas Brodie-Sangster, Billy Bob Thornton, incluso Rowan Atkinson tiene una pequeña aparición. Esto sin duda es lo mejor que tiene Love Actually, la variedad de personajes y el hecho de que no sea una película romántica convencional que nos ha dejado una de las escenas más memorables. Su tono humorístico es muy característico de Richard Curtis en su debut como director, además trabajó como guionista en Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill.

Despellejando 'Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer'

Ya habréis podido comprobar que nos encanta despellejar películas que no nos han gustado demasiado. Ahora le toca a Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer. La película se desarrolla tras los acontecimientos de Dragon Ball Z: La batalla de los dioses, y en esta nueva producción, que resulta ser la decimonovena película basada en la serie de televisión y los cómics de Akira Toriyama. Esta vez, un grupo de soldados del ejército de Freezer, uno de los villanos más emblemáticos de Dragon Ball, llega a la Tierra para resucitar a su líder por medio de las Bolas de Dragón, para conquistar el planeta y de paso vengarse de Goku y compañía. (trailer).

Habiendo visto La batalla de los dioses, uno va sobre aviso de de que la película puede no ser muy buena, pero un fan de Dragon Ball siempre espera ver material nuevo, aunque para que luego resulte un fiasco, mejor no hacer nada. La anterior película si bien fue esperada por muchos y causó mucha expectación, en cierto modo no cumplió con lo que prometía, debido en parte a la poca seriedad del argumento y con lo mal que han sido tratados algunos personajes, pero esto es algo que ya ha pasado con anterioridad con Yamcha, que pasó de ser uno de los mejores personajes a ser un segundón. Y por otro lado se puede observar la calidad de la animación, que a parte de que no está a la altura de la serie, se combina con animación 3-D chapucera.

Pero hablando ya de Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer, honestamente, sigue los pasos de su predecesora. Estas dos nuevas películas van en relación con la nueva serie de Dragon Ball que ha empezado a emitirse este mismo año Dragon Ball Super, por lo tanto van en la misma línea. La serie no es de buen gusto para los fans, todo hay que decirlo. Pero hablando de los personajes, hay varios que no llegan a aparecer en la película, pero sí en la nueva serie, como Trunks, Son Goten y Yamcha a los que se menciona brevemente. Aunque por lo menos Trunks si que tiene una parte importante en la trama, ya que Freezer quería vengarse tanto de Goku como de Trunks (que en la película se supone que aún es un niño, pero es al Trunks del futuro al que se hacen referencias en la película, así como a la destrucción del planeta Vegeta. Pero al menos otros personajes están más presentes como Gohan, Piccolo, Krilin, Ten Shin Han y el maestro Mutenroshi.

En esta película vemos nuevas transformaciones tanto de Goku y Vegeta como de Freezer, pero no terminan de funcionar del todo. Por lo visto, la nueva transformación de Goku en La Batalla de los dioses no impresionó demasiado a los fans, y en esta secuela quisieron darle una apariencia que recordase a la primera fase de Super Saiyan, así que decidieron darle el mismo aspecto pero con el pelo azul. Pero no se explica en la película cómo ha llegado a alcanzar esa forma, a diferencia de la anterior película, donde todos los guerreros unieron sus fuerzas para lograr que Goku se transformase en Super Saiyan Dios. Y luego criticaron la apariencia del Super Saiyan 4.

Lo mismo se puede decir de Vegeta, que también se vuelve con el pelo azul, pese a que en la película dicen que siempre va un paso por detrás de Goku. Y de Freezer en su forma final, que es exactamente igual que la de la serie al que simplemente le han cambiado el color y le han puesto un elegante color dorado y lo llaman Golden Freezer. También hay algunos errores respecto a la descompensación en la fuerza de algunos personajes como Son Gohan o Piccolo a la hora de enfrentarse al ejército de Freezer. Vale que Son Gohan dejase de lado los entrenamientos y se volviera más débil, pero se supone que Piccolo es uno de los más poderosos y se lo ventilan como si nada. Otro error es la música que no pega ni con cola.

Hablando del doblaje, al menos no han cambiado a los actores. A Goku le dobla José Antonio Gavira, quien sustituyó a Adolfo Martínez, mientras que a Son Gohan le pone su voz Alejandro Albaiceta, quien también ha doblado a otros personajes como Goku en Dragon Ball GT, Broly, Tapion, incluso a Vegeta, hasta que fue sustituido por Alberto Hidalgo. Mientras que a Freezer le dobla el mismo actor de la serie, Ángel Corpa. Además, también puso su voz a Nappa. A Ten Shin Han le dobla Daniel Palacios. Mariano Peña vuelve a doblar al maestro Mutenroshi, mientras que Ángeles Neira vuelve a poner su voz a Krilín. Y a Bulma, Nonia de la Gala, actriz que la ha doblado en todas las series de Dragon Ball.

Como apunte final, la idea de resucitar a Freezer era buena, porque muchos nos preguntábamos cómo sería su venganza, pero sinceramente, esa idea no está muy bien aprovechada. Y para rematar, termina de la peor manera posible, como muy de golpe. Si, no te esperas ese giro, peo aun así no queda bien, por mucho que tanto Bills como Wiss dicen que no pueden intervenir en el combate.

Recordando anteriores películas, hay una que trataba sobre algo parecido, la sexta película titulada La Súper Batalla (1990), en la que unos soldados renegados del ejército de Freezer, entre los que se encuentra Tarles, que podría ser la "versión malvada" de Son Goku, llegan a la Tierra para acabar con toda la vida del planeta. Esta es una de las mejores películas de Dragon Ball junto a otras como la decimosexta Dragon Ball Z: El ataque del dragón (1995), o Dragon Ball Z: Un futuro diferente (1993).

Isao Takahata: Un repaso a su carrera

Nacido un 29 de octubre de 1935, Isao Takahata es un director, productor y guionista de películas de animación japonesa, siendo uno de los cineastas más reconocidos del género. Isao Takahata fue influenciado por el neo-realismo italiano y por la New Wave francesa de los años 60 con Jacques Prévert, Paul Grimault y Michel Ocelot.

Takahata inició su carrera artística trabajando en la compañía Toei Animation, que nos trajo series como Mazinger Z, Dr. Slump, Bola de Dragón, Sailor Moon o Marmalade Boy, conocida en España como La familia crece. Debutó en la dirección en 1963, dirigiendo anuncios de televisión y openings de diferentes series de animación. Y ya en 1968 dirigió su primera película: Las aventuras de Hols: Príncipe del sol, donde también colaboró Hayao Miyazaki. Aquí está la película completa. Con esta película se buscaba hacer algo diferente a lo que se había hecho anteriormente. A esa película le siguieron Las Aventuras de Panda y sus Amigos (1972), y Goshu, el violoncelista (1982).

En la década de los 70, Isao Takahata comenzó a trabajar en Nippon Animation, estudio que produjo series tan conocidas como Heidi (1974), Marco (1976) o Ana de las Tejas Verdes (1979), todas dirigidas por Takahata. Las obras de animación como Heidi supusieron una revolución en la época por su innovación menos costumbrista en las tramas, como otras series de acción. Y a ese éxito la acompañaron otras series como Marco (De los Apeninos a los Andes) y Ana de las Tejas Verdes. En 1971 dirigió junto a Hayao Miyazaki la serie de anime Lupin III, producida por Tokyo Movie Shinsha. En 1979, Hayao Miyazaki dirigió su primera película, El castillo de Cagliostro, centrada en este personaje.

Ya en la década de los 80, Takahata se asoció con Hayao Miyazaki y juntos fundaron el famoso Studio Ghibli en 1985, para el cual, ha dirigido un total de cinco películas. La primera de ellas fue La tumba de las luciérnagas, una historia dramática que tiene lugar en la Segunda Guerra Mundial, y sigue a dos hermanos, Seita y Setsuko, que se ven obligados a sobrevivir como pueden. No hay duda de que es una de las mejores películas de animación de la historia, ya no solo por la animación que es excelente, sino por su mensaje anti-belicista (tráiler). Tampoco podemos olvidarnos de su buena banda sonora, compuesta por Yoshio Mamiya.

La tumba de las luciérnagas.

La película está basada en la novela de Akiyuki Nosaka, inspirada en las propias vivencias del autor. En 2005, se estrenó una versión de imagen real producida para televisión, conmemorando el 60º aniversario de la Segunda Guerra Mundial, mientras que una segunda versión, también de imagen real, fue estrenada en 2008. La tumba de las luciérnagas está considerada como el mayor éxito de Isao Takahata. Refleja a la perfección lo crueles que pueden llegar a ser los humanos en tiempos de guerra. Todo un clásico de la animación con una calidad muy destacable.

En 1991 dirigió Recuerdos del ayer, que contaba con Hayao Miyazaki como productor. La película trata sobre una chica que decide viajar al pueblo en el que vivió muchos de los momentos más felices de su vida, y al mismo tiempo se plantea su presente.  Es una de las películas más singulares de Studio Ghibli, es muy diferente de lo que se ha hecho anteriormente en el mundo del anime y está dirigida a un público adulto. Con esta película se quería mostrar una mayor similitud con la vida real, por lo que los rasgos de los personajes están más definidos, como las mejillas. Esto ocasionó que el estreno se retrasara. (tráiler).

Recuerdos del ayer.

Así como curiosidad, pese al éxito de la película en Japón, no fue estrenada en ningún otro país durante más de diez años. El primer país occidental donde se estrenó Recuerdos del ayer fue en Alemania en 2006 y doblada al alemán. Pese a que Disney tiene los derechos de distribución, ha decidido no lanzarla en países como Estados Unidos debido a que es una película adulta. En España fue lanzada en DVD en el año 2010.

En 1994 estrenó su tercera película para el Studio Ghibli: Pompoko. Según cuenta la tradición popular, los tanuki, una especie de mapache japonés, tienen la habilidad de transformarse en humanos con sólo desearlo. Cuando una familia de estos animales descubre que los hombres están acabando con el bosque para construir una urbanización, se preparan para combatirlos usando de todo su poder en una guerra como nunca antes se ha visto. La película está ambientada en un entorno típico y folclórico japonés. Fue el segundo éxito de Isao Takahata, por la visión que ofrece de las tradiciones japonesas frente a la modernización. La película tuvo bastante acogida entre el público y la crítica, lo que la impulsó a ser elegida como representante a los Oscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. (tráiler).

Pompoko.

Mis vecinos los Yamada es la cuarta película dirigida por Isao Takahata, y la doceava del Studio Ghibli. Está basada en un manga publicado desde 1991 a 1997, y lo curioso de esta película es que es una comedia familiar, presentada como si fuera una tira cómica y muestra la rutina de una familia normal y corriente. En esta ocasión, el director decidió sustituir la animación tradicional por animación generada por ordenador, siendo la primera película de Studio Ghibli realizada con este sistema. (tráiler).

Y ya en 2013 dirigió su última película hasta la fecha: El cuento de la princesa Kaguya, que está basada en en el cuento popular japonés El cortador de bambú. La película trata sobre una pareja de ancianos que encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú y deciden entonces adoptarla como si fuera su hija. Entonces se convertirá una mujer hermosa deseada por todos, hasta que un día vienen a buscarla del lugar del que procede. (tráiler)

El cuento de la princesa Kaguya.

La película ha sido exhibida en muchos festivales (Festival de Cine de Toronto, Festival de Cine de San Sebastián, Festival de Cannes, Festival de Cine de Sídney), obteniendo buenas críticas en la categoría de animación. En Estados Unidos también tuvo una gran aceptación, ganando el premio al Mejor Largometraje de Animación, dejando en segundo lugar La Lego Película. También estuvo nominada a los Oscar compitiendo con Big Hero 6, Los Boxtrolls, Cómo entrenar a tu dragón 2 y La canción del mar.

10 películas ambientadas en el futuro

La temática del futuro siempre ha sido una gran fuente de inspiración para multitud de cineastas y escritores, y nos ha dejado innumerables libros y películas. desde Robert A. Heinlein, Isaac Asimov y H. G. Wells, pasando por Georges Méliès (el padre de la ciencia ficción) y su Viaje a la Luna, llegando a los cineastas actuales como Ridley Scott y James Cameron. Son muchos los subgeneros que entran dentro del cine de ciencia ficción, como por ejemplo la Edad de Oro (1938-1950), a Edad de Plata (1951-1965) o el llamado Cyberpunk.

Blade Runner está parcialmente basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. La película transcurre en el año 2019 en la ciudad de Los Ángeles, y nos muestra un futuro en el que mediante ingeniería genética se crean humanos artificiales llamados replicantes, y son utilizados para trabajos de alto riesgo y como esclavos. Y por otro lado están los Blade Runners, encargados de "retirar" a los replicantes que se encuentran en la Tierra. La película pertenece al subgénero Cyberpunk con toques de cine negro. Uno de los mejores elementos de Blade Runner es su banda sonora, compuesta por Vangelis, una mezcla de composición clásica y el uso de sintetizadores.

Inolvidable la escena de la famosa frase que pronuncia Roy Batty (Rutger Hauer).

"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir."

Existen hasta siete versiones de Blade Runner, (montajes del director, versiones para cines y ediciones especiales para coleccionistas) la última de ellas reestrenada en cines el pasado mes de marzo. No hay duda de que es todo un clásico del cine de ciencia ficción que ha influenciado a muchos cineastas que han "versionado" algunas de sus escenas, como Futurama, Matrix, o Ghost in the Shell. Así como curiosidad, cuando se estrenó Prometheus, cobró fuerza la teoría de que los universos de Alien y Blade Runner están conectados, es decir, una relación entre Peter Weyland, el fundador de la corporación Weyland-Yutani, y el dueño de la corporación Tyrell.

En 1985, salieron a la venta dos juegos de ordenador, uno para Commodore 64, y para ZX Spectrum PLC, y otro en 1997 desarrollado por Westwood Studios.

La máquina del tiempo.

Basada en la novela de H.G. Wells, publicada en 1895, La máquina del tiempo ha tenido varias adaptaciones, siendo la primera de ellas la versión de 1960, traducida en España como El tiempo en sus manos, que se centraba en un científico que consigue construir una máquina del tiempo con la que viaja a momentos de la historia como la Segunda Guerra Mundial llegando hasta el año 802.701 pasando por el año 2030. La versión más reciente, del año 2002 estaba protagonizada por Guy Pearce, y contaba también con Jeremy Irons como el antagonista principal. Seguía más o menos el mismo patrón que la película original, pero en esta versión, el científico construye la máquina del tiempo para salvar su esposa, pero al no lograrlo, decide emprender un viaje en el tiempo en busca de respuestas, llegando también al año 802.701, donde se encuentra un mundo en decadencia habitado por los eloi, y los Morlocks. (trailer)

Seguro que todos nos acordamos de un episodio de la primera temporada de Big Bang Theory en el que compran una máquina del tiempo y Sheldon tiene una pesadilla en la que viaja en el tiempo y se encuentra con los Morlocks.

Demolition Man.

Si hay un clásico del cine de acción ambientado en un futuro próximo, ese es Demolition Man. La película comienza en el año 1996, cuando John Spartan (Sylvester Stallone), el policía más duro y temerario de la época, está a punto de detener a Simon Phoenix (Wesley Snipes), pero la cosa sale mal y se ve implicado en la muerte de unos rehenes. Por ello, ambos son condenados a una prisión criogénica. 36 años después, en el año 2032, Phoenix es descongelado y vuelve a las andadas, por lo que recurren al hombre que le detuvo en el pasado: John Spartan. (trailer)

Si el futuro que nos plantearon daba verdadero miedo, el que se nos presenta aquí no tiene nombre. Vale que la violencia esté completamente erradicada y las armas estén expuestas en un museo, pero todos se han vuelto unos blandos, incluso los policías, que, según dicen: "Somos policías, no nos preparan para este tipo de violencia". Las canciones que suenan por la radio son viejos singles y éxitos infantiles. No puedes decir palabrotas porque te cascan una buena multa. Tienen un extraño sistema para ir al baño que consiste en usar una especie de "conchas" que no creo que nadie supiera usar. Pero lo más desconcertante de todo es que el único restaurante que existe es Pizza Hut, pero convertido en un restaurante de cinco tenedores debido a una guerra de franquicias. 

El Quinto Elemento está dirigida por Luc Besson y protagonizada por Bruce Willis y Milla Jovovich. Comienza en 1914 cuando unos arqueólogos se encuentran estudiando unos grabados en un templo, el resto de la película se desarrolla a mediados del siglo XXIII, en el año 2263. Tiene como eje central de la trama una fuerza maligna que se aproxima a la Tierra con el fin de destruirla, por suerte cuentan con Bruce Willis, un ex-militar retirado que trabaja como taxista, y con la Jovovich para salvar la situación. Tampoco puede faltar el villano de turno, interpretado por Gary Oldman, quién ya trabajó con Luc Besson en El profesional, con Jean Reno. (trailer)

La estética y la ambientación pertenecen al género Cyberpunk con un toque retro y está inspirada en El Incal, un cómic de Alejandro Jodorowsky, de hecho, la película fue denunciada por plagio.

Multipase.

Gary Oldman.

Así como dato curioso, un año después de la película salió a la venta para PlayStation y para Windows un videojuego basado en la película. La historia era la misma, y podías manejar tanto a Korben como a Leeloo en los distintos niveles del juego. Por lo general recibió bastantes malas críticas y pasó sin pena ni gloria.

Regreso al futuro II.

No se puede hablar sobre el futuro sin que nos vengan a la mente sagas míticas como Regreso al futuro, concretamente hablamos de Regreso al futuro II, que es la única de la trilogía que muestra un posible futuro. Nos sitúa en el año 2015 (sí, el año en el que nos encontramos), el 21 de octubre para ser exactos. Es entonces cuando su protagonista, Marty McFly tiene que viajar en el tiempo hasta esa fecha para resolver un problema con sus hijos. Por lo visto, en los años 80 tenían una visión peculiar del futuro. Ya pensaban que en el año 2000 habría coches voladores y cosas así. Seguro que al ver la película, muchos quisimos tener el aeropatín, o aquel horno que hacía pizzas deshidratadas en un segundo y además las cortaba en porciones. (trailer)

Pero últimamente nos han llegado muchas noticias de empresas o personas que han intentado fabricar estos productos, como el aeropatín, que en la película fue fabricado por Mattel. O que Nike iba a lanzar las zapatillas con robocordones. Por suerte no se ha puesto de moda llevar dos corbatas (aún). Y el cine se ve que ha avanzado tanto que ya van 19 películas de Tiburón.
En 1990 se estrenó la tercera y última parte de la saga: Regreso al futuro III.

Una de las sagas más míticas del cine no es otra que Alien, iniciada en 1979 con Alien, el octavo pasajero, dirigida por Ridley Scott con Sigourney Weaver en el papel protagonista (interpretando a Ellen Ripley), Tom Skerritt, John Hurt, Ian Holm y Veronica Cartwright. La película se desarrolla en el año 2165, y nos presenta a los tripulantes de la nave comercial Nostromo, que se encuentra de regreso a la Tierra cuando detecta una extraña transmisión procedente de un planeta cercano. Es entonces cuando se dirigen a ese planeta para investigar la procedencia de esa comunicación.

Esta película causó un gran impacto que duró años en el género de ciencia ficción y el género de terror dentro de la industria. Pero la cosa no se quedó ahí, ya que a partir de la película salieron a la venta un gran número de historietas y videojuegos. Y nos ha dejado escenas memorables como esta.

En 1986, James Cameron recogió el testigo de la franquicia con su secuela Aliens, el regreso, que transcurre 57 años después de los sucesos narrados en Alien, el octavo pasajero, es decir, en el año 2222. Tras esos años vagando por el espacio, Ripley es encontrada por un equipo de salvamento, y el planeta del que provenía la transmisión captada por la Nostromo ha sido colonizado, pero finalmente se pierde la comunicación con la colonia, y mandan un equipo de marines para investigar.

James Cameron quiso hacerse cago de la secuela porque se declaró fan de El octavo pasajero, así que quiso realizarla, pero tuvo que esperar a ver qué resultados se obtenían con Terminator para poder dirigirla. En esta película incorporó al reparto actores con los que además ha trabajado en la saga de Terminator: Michael Biehn (Hicks), Lance Henriksen (Bishop), Bill Paxton (Hudson) y Jenette Goldstein (Vasquez).

En el año 1992, David Fincher debutaba en la dirección con la tercera entrega de la saga, Alien³. Transcurre poco después del final de Aliens, el regreso, después de que Ripley consiguera escapar del planeta LV-426, llega accidentalmente a Fury 161, una remota prisión cuyos reclusos están abandonados a su suerte.
En Alien³ podemos ver a un joven Charles Dance (Sí, Tywin Lannister) quien interpreta a Clemens, el médico de la prisión.

Charles Dance.

De Alien³ se publicaron varias novelas, cómics y algunos videojuegos para múltiples plataformas (Nintendo Entertainment System, Super Nintendo, Nintendo Game Boy, Mega Drive/Genesis, y Sega Master System).
Si bien no es la mejor película de la saga, Alien³ contaba con unos buenos efectos especiales con los que fue nominada a los Oscar y a los BAFTA en 1992, así como otras 16 nominaciones, logrando un Golden Reel Award en la categoría de Mejor Edición de Sonido.

Ya en la década de los 90 nos llegó la cuarta entrega de la franquicia: Alien: Resurrección, dirigida por Jean-Pierre Jeunet con un guión de Joss Wheddon. Contaba una vez más con Sigourney Weaver, a la que se sumaban Winona Ryder (todos sabemos quién es) Dominique Pinon (Amélie), Ron Perlman y Brad Dourif. Transcurre 200 años después del final de Alien³, en el año 2422. Ripley vuelve a la vida mediante técnicas de clonación, pero una vez más, la peligrosa raza alienígena vuelve a ser una amenaza. Esta vez será un grupo de mercenarios que llega a la nave USM Auriga, quienes deberán hacerle frente.

La franquicia de Alien ha dado lugar a una precuela (Prometheus) estrenada en 2012, y dos crossover: Alien vs. Predator (2004) y Alien vs. Predator 2 (2007), que combina esta saga con la también saga de ciencia ficción de Depredador. Está previsto para 2017 el estreno de la quinta entrega de Alien, así como la secuela de Prometheus, que llevará por título Alien: Paradise Lost.

El responsable de la creación de la criatura alien, así como algunos escenarios fue el artista H. R. Giger, quién falleció en mayo de 2014, y a quién dedicamos una entrada en el blog. La criatura es descrita como "un perfecto organismo. Su perfección estructural sólo está igualada por su hostilidad. Es un superviviente al que no afecta la conciencia, los remordimientos ni las fantasías de moralidad."

Akira.

Akira es una película de animación de 1988 dirigida Katsuhiro Otomo, y nos sitúa en el año 2019, tras la Tercera Guerra Mundial, en Neo-Tokyo, donde abunda la corrupción política y el caos social. La trama se centra en Kaneda, el líder de una banda de motoristas, y su mejor amigo Tetsuo, que tras sufrir un accidente acaba siendo el conejillo de indias de unos científicos que quieren controlar el arma definitiva, conocida como "la fuerza absoluta" y creen que Tetsuo es el poseedor de esta energía. (trailer)

Akira es un ejemplo de lo que comentábamos al principio de la publicación. Pertenece al subgénero Cyberpunk, es decir, un futuro distópico donde predomina la alta tecnología. En los años 80, con los ordenadores y la aparición de las primeras redes informáticas, resultó ser una fuente de inspiración de autores que creían que esto supondría un gran cambio en la humanidad. Akira se ha convertido en una película de culto y es considerada como una obra maestra de la animación japonesa.

Hace tiempo, Warner anunció que se iba a realizar un remake de Akira en acción real, pero el proyecto ha permanecido estancado mucho tiempo, y sonaron varios nombres para dirigirla, como Jaume Collet-Serra y Christopher Nolan.

Starship Troopers es una saga iniciada en 1997 por Paul Verhoeven y que tenía como protagonistas a Casper Van Dien (como Johnny Rico), Michael Ironside, Denise Richards y Neil Patrick Harris (sí, sale Barney Stinson). Esta saga está basada en la novela de ciencia ficción escrita por Robert A. Heinlein en 1959, publicada en la revista The Magazine of Fantasy & Science Fiction. Hubo dos secuales que salieron directamente en DVD y que son inferiores a la primera, sobretodo su secuela titulada Starship Troopers 2: Hero of the Federation. La tercera película, titulada Starship Troopers 3: Marauder, mejoraba un poco debido a que recuperaba al personaje principal, nuevamente interpretado por Casper Van Dien.

La acción tiene lugar en el siglo XXIII, en una guerra contra una especie de arácnidos alienígenas. En este futuro, la Tierra está gobernada por la Federación, y el servicio militar dura dos años, y sólo después de cumplirlo, el individuo se convierte en ciudadano, estatus que otorga ciertos derechos, como entrar en la política o el derecho a voto.

En el año 2012 se estrenó Starship Troopers: Invasión, una película de animación dirigida por Shinji Aramaki. Si bien esta película más fiel a la novela original, sobretodo en los equipamientos y armaduras de los soldados que, como se describen en la novela "es una unidad militar futurista equipada con un exoesqueleto propulsado". Así que junto con la de Verhoeven, Starship Troopers: Invasión es una buena adaptación de la novela.

Otro clasicazo del cine de acción, también dirigido por Paul Verhoeven unos años antes de Starship Troopers. Desafío Total está basada en en el relato de Philip K. Dick Podemos recordarlo por usted al por mayor, y tiene lugar en el año 2084. Arnold Schwarzenegger es Doug Quaid, un hombre que lleva una vida aparentemente normal, pero tiene un sueño recurrente que noche trasnoche le transporta al planeta Marte. Entonces recurre a Recall, una empresa de vacaciones virtuales que le ofrece la posibilidad de hacer realidad su sueño gracias a un fuerte alucinógeno, pero debido a un error en la implantación, Quaid creerá que es un agente secreto al que han descubierto y al que quieren matar. Pronto descubrirá que, realmente, alguien quiere acabar con su vida y que se encuentra en una situación muy complicada. Forman parte del reparto Sharon Stone y Michael Ironside.

Desafío Total fue de las últimas películas en usar miniaturas a escala en lugar de efectos de CGI. Intervinieron hasta cinco compañías distintas incluyendo la Industrial Light & Magic. Imposible de olvidar a la mujer con tres pechos y ese mutante que se parece a Pujol.

Desafío total tuvo su remake en 2012 con Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bryan Cranston y Bill Nighy.

Segunda película de Sylvester Stallone de esta lista. Juez Dredd es una película de 1995 que transcurre en el año 2139, y la humanidad vive envuelta en una permanente violencia. Sin embargo, en MegaCity Uno, una de las tres megaciudades que existen en Estados Unidos, hay un hombre dispuesto a luchar contra el crimen: el impacable Juez Dredd. Pero Dredd es inculpado de un asesinato y condenado a cadena perpetua, y tratará de limpiar su nombre con ayuda de sus compañeros. La película está basada en las historietas de Judge Dredd, publicadas en la revista británica 2000 AD. En España apareció por primera vez en la revista Sargento Kirk en 1983.

Juez Dredd tuvo su remake en 2012 con Karl Urban (El Señor de los Anillos) en el papel protagonista, acompañado por Lena Headey, y Olivia Thirby.