Películas para el Día Mundial de la Felicidad

Inside Out (Del revés)

Una de las últimas películas de Disney-Pixar y que se llevó el Oscar a Mejor Película de Animación. Aquí vemos las distintas emociones básicas, que en su día catalogó el psicólogo Paul Ekman, como dirigen nuestro cuerpo. Se centra en la vida de Riley, una niña que la vamos viendo crecer. Pero la protagonista no es ella, sino los sentimientos que 'tiene dentro de su cabeza'.

Alegría es la que dirige a las demás emociones e intenta que Tristeza no tenga tanta presencia. Cuando Tristeza toca el panel de mandos, Riley se pone triste. Cuando Alegría y Tristeza salen del Centro de Mandos por accidente, veremos que las demás emociones intentan solucionar los problemas de Riley a su manera. De mientras, Alegría y Tristeza se irán conociendo más, enlazando una amistad entre ellas.

La conclusión final es que Alegría se da cuenta de la importancia de Tristeza. Pese a ser una emoción negativa, es también necesaria para la madurez de Riley y para encontrar la felicidad. Porque a veces, cuando más Tristeza tenemos es cuando podemos ver un rayo de Alegría. Las dos emociones suponen como el 'Yin y el Yang' de la existencia. Son opuestas, pero deben existir para que aprendamos a valorar más las cosas en la vida. Cuando buscamos la felicidad, también nos encontramos con la tristeza y el dolor. Esto es lo que nos enseña Inside Out.

Invictus:

Con los actores Morgan Freeman y Matt Damon, y dirigida por Clint Eastwood, este film nos muestra parte de los hechos ocurridos en Sudáfrica durante los años 90. Con la abolición del sistema apartheid y el nombramiento de Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, el país se encuentra muy dividido.

Mandela sabe que debe unir al pueblo, dando igual el color de su piel. Para ello, usará la Copa Mundial de Rugby y al equipo de los "Springboks", con el objetivo de traer la felicidad a su nación. La dificultad es muy alta ante el odio y el medio que han sucumbido durante más de 50 años el país de Sudáfrica. El propio Mandela fue encarcelado por luchar contra ello.

Por eso mismo, sabe lo complicado que es dejar a un lado la venganza y busca, a través del deporte, unir a los suyos. La alegría a veces nos queda oculta tras el odio, y solo los que son capaces de perdonar pueden conseguir alcanzarla. Mandela supo ver de qué manera podía la gente dejar su odio a un lado y unirse como nación. 


Mejor... imposible

Mejor... imposible es una película protagonizada por Jack Nicholson (ganador del Oscar al Mejor actor), Helen Hunt (ganadora del Oscar a la Mejor actriz), y Greg Kinnear. Jack Nicholson interpreta a Melvin, un escritor con muchas manías, y es la última persona del planeta que te gustaría tener como vecino. Melvin es un hombre de fijas costumbres. Todos días acude a comer al mismo restaurante donde trabaja Carol (Helen Hunt). Y en su mismo edificio vive Simon (Greg Kinnear), un artista homosexual que tiene que sufrir diariamente su homofobia. Todo esto cambia el día en que Melvin debe hacerse cargo del perro de Simon, a pesar de que no le gustan los animales.

El principal elemento de la película es la enfermedad del personaje de Jack Nicholson. Padece un trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), una enfermedad que afecta sobretodo a la conducta. Algunos ejemplos de ello son por ejemplo la obsesión por la higiene o por el orden. Y son estas obsesiones las que dificultan a la persona que la padece alcanzar la felicidad.

Finalmente, el protagonista de esta película se da cuenta de que la felicidad no se encuentra aislándose uno mismo del resto del mundo. El ser humano es así, y siempre busca algún tipo de relación que sea satisfactoria, ya sea una amistad, una relación de pareja o una mascota, que en este caso es el perro de Simon, al que Melvin debe cuidar, y eso es algo que conseguirá ablandarle. Todo esto es narrado con un tono mordaz y muy divertido a la vez, llevado de una forma muy inteligente.


Amelie

Amélie es una chica de 22 años muy diferente a todas las demás. Ella, que ha visto como su adorado pez de colores desaparecía por la alcantarilla o a su padre dedicando toda su vida a un gnomo de jardín, descubre que sorprender a los que la rodean anónimamente es lo que realmente le hace feliz. 

Ese es su deseo a partir de ahora. Hacer felices a los demás. Entre ellos, Georgette, la estanquera hipocondríaca o ‘El Hombre De Cristal’, un vecino que sólo ve el mundo a través de un cuadro de Renoir. Lo único que Amélie no es capaz de hacer es buscar su propia felicidad y así mostrar sus sentimientos al hombre que ama. Nino, un chico tan diferente como ella, que trabaja en una atracción de feria y también en un sex shop. Pero el destino siempre es quien decide, y ella no va a ser la excepción.

Intocable

La vida de Phillippe cambió radicalmente cuando un accidente le dejó parapléjico. Driss es un joven pobre pero con unas inmensas ganas de vivir. Busca trabajo, justo ahora que acaba de salir de la cárcel. Phillippe contrata a Driss para que sea su asistente personal y la relación que entre ellos se crea consigue cambiar a ambos.

Para el primero, la vida vuelve a tener color y para el segundo, la vida vuelve a ser vida. Esa capacidad de superación incluso cuando crees que no puedes más y una increíble BSO han hecho de esta película una gran oda a la vida, haciendo a sus protagonistas, intocables.


Rocky Balboa

La saga de Rocky siempre ha sido conocida por ser inspiradora y estar plagada de referencias a la superación. Sin embargo, es en su sexta entrega donde podemos ver al retirado boxeador buscando su propia felicidad. Su vida ha cambiado mucho y ha perdido cosas de muchísimo valor. Pero quiere volver al ring, en un último combate para deshacerse del dolor que siente.

Con la edad que tiene y sus problemas de salud, vemos que le deniegan su licencia de boxeador. En un discurso motivador sobre la búsqueda de la felicidad, vemos a un Rocky Balboa dispuesto a sacrificarlo todo para encontrar su camino. Porque la felicidad a veces hay que buscarla. A veces hay que pelear por ella. No aparece por arte de magia. Porque el mundo no es todo alegría y color.

Big Fish

Esta película dirigida por Tim Burton se centra en la relación entre un padre y un hijo. Lo novedoso es que lo hace a través de las historias que ha contado el padre a lo largo de toda su vida, que parecen fascinar a todo el mundo excepto al hijo. Pero en el momento en el que la vida de su padre está a punto de terminar, el hijo se embarca en un viaje para descubrir qué hay de verdad en esos cuentos.

La mezcla entre realidad y fantasía es el hilo conductor de esta historia, que resulta ser un canto a la vida y al optimismo. Pese a las dificultades, el padre a lo largo de su vida no se rinde en ningún momento, y además consigue hacer mejor la vida de otros personajes que conoce. Su carácter es alegre, y parte de ese positivismo se ve reflejado en cómo cuenta las anécdotas de su vida. En cambio, su hijo tiene una visión más realista de los acontecimientos, y por esto sus personalidades chocan.

El tono optimista de la película al narrar los hechos contrasta con los temas tan duros que toca en algunos casos (como la enfermedad y la muerte), y el mensaje final es muy emotivo. La banda sonora de Danny Elfman refleja todos estos sentimientos, en un tono muy acorde al de la película.

Crítica de 'Pesadillas (Goosebumps)'

El protagonista de la película es Zach (Dylan Minnette, Prisioneros), un adolescente que se muda de Nueva York a un pequeño pueblo. Al principio no parece entusiasmarle demasiado la idea, hasta que conoce a su misteriosa vecina Hannah (Odeya Rush, La extraña vida de Timothy Green). Entonces descubrirá que el padre de Hannah es R.L. Stine (Jack Black), el escritor de la famosa serie de libros juveniles de Pesadillas. Lo que Zach ignora es que Stine oculta un gran secreto: que las malvadas criaturas de sus historias son reales y permanecen encerradas en los libros. Todo va bien hasta que accidentalmente abren uno de los libros ocasionando la liberación de las criaturas. (Tráiler)

Todos en nuestra más tierna infancia hemos leído los libros y visto la famosa serie de televisión Pesadillas, y no nos podemos quitar de la cabeza la sintonía de la serie. Es de esas series que no envejecen demasiado bien, pero para los que ya tenemos una edad, la recordamos con mucha nostalgia. Lo curioso de la serie de televisión era que el propio R. L. Stine aparecía en los episodios presentando las historias. Pero aquí no vamos a hablar de la serie, sino de la película que se centra en el escritor interpretado por Jack Black.

La película comienza como cualquier otra del género juvenil. Chico nuevo llega al pueblo, conoce a la vecina de al lado y a su padre excéntrico, hasta que finalmente las cosas se descontrolan. Por eso respira cierto aire a cine familiar que recuerda a otras películas como Gremlins, Jumanji, Noche en el museo, o Los viajes de Gulliver, también protagonizada por Jack Black, quien se vuelve a poner bajo la dirección de Rob Letterman. Pesadillas es todo un homenaje al cine de monstruos de los años 80. Encargado de la banda sonora tenemos al reconocido Danny Elfman, habitual colaborador de Tim Burton.

Slappy en La noche del muñeco viviente.

Es por esto que Pesadillas no conserva el toque de la serie de televisión, enfocándolo de una manera que vaya dirigido a otro tipo de público. Aunque de algún modo intenta rescatar algunos de sus personajes más emblemáticos, como Slappy, el muñeco viviente, o la máscara maldita. Por desgracia, salvo quizá los gnomos de jardín, el resto de personajes no tienen la apariencia que tenían en la serie, pero al menos Slappy es más parecido a como se ve en las portadas de los libros. Aunque la película tiene como premisa que todo es una venganza por parte de Slappy, dotado un un gran carisma que le hace colocarse como el líder de los monstruos. Así que la película no sigue ninguno de los libros, pero coge un poco de cada uno de ellos.

Por su parte, podemos decir que la película tiene un toque de humor gamberro, un humor simple, pero que funciona, en parte gracias a Jack Black, cuya interpretación es muy diferente de cuando Stine aparecía en la serie, pero también tiene su parte seria. Este es el motivo por el que esta película hay que verla sin ningún tipo de prejuicio, se disfrutará más, ya que no es una película pretenciosa, y su único fin es entretener al espectador.

La máscara maldita.

La peor parte se la llevan los efectos visuales, aunque es bien sabido que una película de este tipo no requiere un alto nivel como en otras producciones, pero hay cosas que no pueden pasarse por alto. Al menos la ambientación se puede perdonar. La historia transcurre en un típico pueblo americano en el que nunca pasa nada. Resumiendo, otro ejemplo más de cine fantástico que gustará tanto a niños como a los más adultos. Una película divertida con momentos tanto absurdos como delirantes, y otras tantas cosas inverosímiles. Por supuesto también es apta para los fans de los libros así como de la serie. Aunque también es cierto que al final la cosa se queda un poco en al aire y deja ver que posiblemente haya una segunda parte.

Jack Black y R. L. Stine.

Una de las escenas más curiosas de toda la película es el cameo del auténtico R. L. Stine. Lo peculiar de la escena es que se cruzan los dos personajes pero los papeles están invertidos. Pesadillas es la cuarta película basada en los libros de R. L. Stine tras La hora del terror: No lo pienses (2007), con Emily Osment y Tobin Bell, R.L. Stine's Mostly Ghostly (2008) y R.L. Stine's Monsterville: The Cabinet of Souls (2015).

Para terminar, vamos a recordar algunos de los mejores episodios de Pesadillas.

La máscara maldita: Parte 1 y Parte 2.
Terror en la biblioteca
El fantasma del auditorio
La Noche del Muñeco Viviente II
La noche del Muñeco Viviente III
Aventura espeluznante
La sonrisa de la muerte
Una noche en la torre del terror: Parte 1 y Parte 2.
El ataque del mutante: Parte 1 y Parte 2.
No bajes al sótano: Parte 1 y Parte 2.
Aliento de vampiro
Niñologia
Un día en Horrorlandia
El Juego de la Casa Embrujada
Cómo matar a un Monstruo
Susto en la Calle del Terror
El Hombre Lobo del Pantano de la Fiebre: Parte 1 y Parte 2.
Hay algo vivo
Pánico en el campamento: Parte 1 y Parte 2.
Los espantapájaros andan a medianoche

Cine dentro del cine

El cine está plagado de géneros y subgéneros que han llegado a cautivar a muchos espectadores, pero hay otro género que ha querido mostrar la otra cara del séptimo arte: es el cine dentro del cine, es decir, esas películas que nos muestran cómo han llegado a rodarse algunas de las películas más emblemáticas del cine, y de eso es de lo que vamos a hablar en este artículo.

El último gran héroe

Es una película de 1997 dirigida por John McTiernan (Jungla de Cristal), cuyo protagonista, Danny, es un chico al que le entusiasma mucho el cine, y es un gran admirador de Jack Slater (Arnold Schwarzenegger), su héroe de acción favorito. Cuando asiste al estreno de su última película, el acomodador del cine le regala una entrada que a él le había regalado Houdini. Dicha entrada posee poderes mágicos, y mediante ella, Danny logra entrar dentro de la película y vivir aventuras junto a su héroe. (tráiler)

Lo original de esta película es que muestra un universo propio, en este caso, el de las peripecias de Jack Slater, un homenaje al típico héroe de acción americano y a las buddy movies o películas de colegas, un género que tiene su origen en los años 20, pero que alcanzó su máxima popularidad a partir de la década de los 70. Asimismo, vemos otras referencias a los tópicos del cine, como lo del prefijo 555, un prefijo que no existe y que utilizan en todas las películas.

Otra cosa que llama mucho la atención es la gran cantidad de personalidades del cine y de la música que hacen un cameo, pero lo más curioso es que lo hacen interpretándose a ellos mismos. Aparecen en el mundo real, en el estreno de la nueva película de Jack Slater: Tina Turner, Maria Shriver, Little Richard, James Belushi, Jean-Claude Van Damme, Chevy Chase, incluso Arnold Schwarzenegger. Hay una secuencia muy divertida cuando se juntan dos Schwarzenegger en la pantalla.

Tina Turner, Maria Shriver, Arnold Schwarzenegger, Little Richard,
James Belushi, Jean-Claude Van Damme y Chevy Chase.

Pero no son los únicos que aparecen en la película, ya que cuenta con otros actores reconocidos, unos que forman parte de la trama de la película, y otros que solo aparecen como homenajes a películas de los años 80 y 90, como Amadeus, Terminator 2 e Instinto Básico. Estos actores son Ian McKellen, F. Murray Abraham, Robert Patrick (como el T-1000), Sharon Stone, Anthony Quinn y Charles Dance (Tywin Lannister en Juego de Tronos).

Ian McKellen, F. Murray Abraham, Robert Patrick,
Sharon Stone, Anthony Quinn y Charles Dance.

Haciendo alguna mención a su banda sonora, cuenta con canciones de bandas míticas de heavy metal y rock 'n' roll, como Big Gun de AC/DC, What the Hell Have I o A Little Bitter de Alice in Chains, Dream On de Aerosmith, Two Steps Behind, de Def Leppard o Angry Again de Megadeth.

El Proyecto de la Bruja de Blair

Esta película de terror de 1999 rodada como un mockumentary (falso documental), sigue a tres estudiantes de cine (Heather Donahue, Mike Williams y Joshua Leonard) que se desplazan a Maryland para rodar un documental sobre una de las leyendas de la zona: la Bruja de Blair. La película parte con la premisa de que está basada en hechos reales y que nos muestra los aterradores acontecimientos que presenciaron los tres protagonistas. (tráiler)

El género de falso documental tiene su origen en los años 30, siendo una de las primeras obras la versión radiofónica de La guerra de los mundos, de Orson Welles. Desde entonces, este género ha sido muy utilizado por los cineastas. Hablando de El Proyecto de la Bruja de Blair, es una película que contaba con un presupuesto de unos 25.000 euros, pero que resultó ser una de las películas más rentables por su recaudación. Sin duda, el mejor elemento de la película es que consigue hacerte padecer y ponerte en la piel de sus protagonistas pese a la ausencia de sustos y golpes de efecto del cine de terror convencional.

La película está llena de curiosidades. La que más llama la atención es que los protagonistas utilizaron sus nombres verdaderos, y el rodaje, que se hizo íntegramente con una cámara de 16 mm. En el año 2000 se estrenó la secuela, que no fue tan exitosa.

Al encuentro de Mr. Banks

Durante 14 años, el cineasta Walt Disney trabajó mucho para lograr que la escritora australiana P.L. Travers (quien pasa por malos momentos económicos) le cediera los derechos de su novela más famosa: Mary Poppins. Tras la ardua tarea, Disney finalmente consigue que Travers le permita llevar su creación al cine, película que terminó siendo un gran éxito a nivel mundial. Esta película nos muestra todo lo que se tuvo que trabajar para sacarla adelante, incluyendo la composición de los temas musicales. En nuestro blog podéis leer una crítica completa. (tráiler)

Si bien Al encuentro de Mr. Banks es una versión "edulcorada" de la verdadera historia, lo interesante es que muestra la infancia de P.L. Travers, los acontecimientos y personas de su vida que influyeron en la creación del personaje de Mary Poppins.

Argo

Basada en hechos reales, Argo nos traslada a Teherán en 1979, cuando la embajada de Estados Unidos es atacada por fanáticos seguidores del Ayatolá. Un grupo de empleados de la embajada logran evadirlos y consiguen escapar y ocultarse en la casa del embajador de Canadá. Para sacarlos del país, recurren a un experto en rescate de rehenes (Ben Affleck), a quién se le ocurre la idea de fingir que están rodando una película de ciencia-ficción a lo Star Wars, para que puedan sacarles del país como si formasen parte del equipo de rodaje. Para llevar a cabo la operación, contacta con un experto en maquillaje (John Goodman) y un productor de cine (Alan Arkin). (tráiler)

Argo es el tercer largometraje como director de Ben Affleck, y además interpreta a Tony Mendez, un agente de la CIA que ideó el plan para rescatar a los diplomáticos que huyeron de la embajada estadounidense, además fue coproducida por el también actor George Clooney. La película tuvo muy buena acogida internacionalmente. Reproduce un acontecimiento histórico cuidando hasta el más mínimo detalle con personajes bien construidos, aunque también hubo alguna que otra polémica por parte del gobierno y la prensa iraní. Pese a todo, la película consiguió hacerse con tres Premios Oscar (mejor película, siendo la estatuilla entregada por Michelle Obama, mejor guión y mejor banda sonora).

Tesis

Tesis es una película española de 1996, dirigida por Alejandro Amenábar. Su protagonista es Ángela, una estudiante que trabaja en una tesis sobre la violencia audiovisual. Para ello contará con la ayuda de su profesor, un excéntrico estudiante aficionado al cine gore, y un chico amigo de una joven asesinada. Ángela pronto descubrirá que en la universidad están matando a chicas jóvenes para filmar snuff movies. (tráiler)

Tesis supone el debut en la dirección de largometrajes de Alejandro Amenábar. Se comenta que para rodar esta película se inspiró en El fotógrafo del pánico, del director inglés Michael Powell. La película fue todo un éxito, consiguiendo siete Premios Goya, incluyendo Mejor película, Mejor director novel, y Mejor guión, y sirvió de impulso para la carrera de Amenábar. No pueden faltar homenajes a otras obras de cine, como Himenóptero, el tercer cortometraje de Amenábar, La leyenda del viento del Norte, La noche del cazador, Mi Idaho Privado y Holocausto caníbal.

La película está considerada no solo como una crítica a la violencia en el cine, sino también a los aficionados a ella. Es un buen thriller cargado de suspense que cuantas más veces ves, más te gusta.

La invención de Hugo

La historia se desarrolla en los años 30 en París. Hugo es un joven huérfano experto en la reparación de relojes y muy hábil en pasar desapercibido que vive en una estación de tren. Todo cambia cuando conoce al enigmático dueño de la tienda de juguetes de la estación y a una niña entusiasta apasionada por el cine. Juntos tratarán de averiguar el secreto que oculta un autómata que Hugo ha estado reparando a escondidas. (tráiler)

La invención de Hugo está basada en la novela de Brian Selznick, con guión de John Logan (Gladiator, Sweeney Todd). En su reparto tenemos a Asa Butterfield, Ben Kingsley, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee y Emily Mortimer. Martin Scorsese nos cuenta una historia mágica, donde el cine es el verdadero protagonista. Una película que invita a soñar y vivir las historias que leemos en los libros y vemos en las pantallas de cine. 

Lo interesante de la película es que también homenajea a Georges Méliès, el padre de los efectos especiales, y sus dos películas más memorables: Viaje a la Luna y El viaje imposible, aunque en la película hay algunas diferencias respecto a la verdadera historia de Méliès, tales como su supuesta desaparición en la Primera Guerra Mundial, así como su personalidad. Uno de los puntos fuertes a parte de la banda sonora, es la variedad de personajes. Se presentan de un modo similar a la película francesa Amélie, y aunque parezca que esos personajes no aportan gran cosa a la trama, cada uno tiene su historia, y le da profundidad a la película. La invención de Hugo ha ganado numerosos premios, siendo los más destacados seis Premios Oscar en categorías técnicas (fotografía, dirección artística, edición de sonido, efectos visuales, sonido y montaje), y dos Premios BAFTA.

The Artist

Estrenada casi junto con La invención de Hugo, The Artist transcurre en Hollywood en 1929 (en plena «edad de oro de Hollywood»), y George Valentin, una de las grandes personalidades del cine mudo rebosa éxito, hasta que llega la revolución del cine sonoro. Esto le supone una amenaza, puesto que su carrera peligra. Mientras tanto, Peppy Miller, otra joven actriz que también tuvo sus inicios en el cine mudo junto con Valentin, no tiene en cuenta ese temor puesto que llega a convertirse en una estrella del cine sonoro. (tráiler)

Entre La invención de Hugo y The Artist hay cierta complementación. Mientras la primera es una película estadounidense que ahonda en el origen del cine francés, la segunda es una película francesa que abarca el origen del cine en Estados Unidos, la transición del cine mudo al cine sonoro y las repercusiones que esta tuvo en los artistas de la época que en realidad ya vivieron actores como John Gilbert. Por lo tanto, The Artist está rodada como si fuera una película muda. Y como tal, no pueden faltar referencias a obras de cine clásico como Ha nacido una estrella, por el hecho de la decadencia y el triunfo de los personajes protagonistas, Ciudadano Kane, El ángel de la calle, y El séptimo cielo.

The Artist se hizo con el Premio Oscar en la categoría de mejor película, premio al que también optaba La invención de Hugo. También se hizo con las categorías de mejor director, mejor actor, y mejor banda sonora, aunque por esto último hubo cierta polémica por parte de la actriz Kim Novak, alegando que fue una «violación», porque utilizó fragmentos de la banda sonora de Vértigo, compuesta por Bernard Herrmann.

Cinema Paradiso

Si hay una película que representa la auténtica pasión por el cine, esa es Cinema Paradiso, una película de origen italiano dirigida por Giuseppe Tornatore que nos cuenta la historia de Salvatore, un renombrado director que regresa a su pueblo natal tras treinta años de ausencia. Allí pronto evocará todos los recuerdos que marcaron su vida, incluyendo su primer amor y las enseñanzas de su viejo amigo Alfredo, un proyeccionista que conservaba los fragmentos de las películas que eran censuradas. (tráiler)

Cinema Paradiso está considerado todo un clásico del cine italiano y es una de las películas más bellas que se han hecho en relación con el séptimo arte. Una película que emocionará incluso a los más duros de corazón. Todo ello visto a través de los ojos de una persona apasionada por el cine. La magnífica banda sonora compuesta por Ennio Morricone le va como anillo al dedo. Resumiendo, una película muy entrañable a la par que enternecedora. Cinema Paradiso supuso el resurgir del cine italiano que, más tarde nos trajo maravillas como La vida es bella. En 2014, la película volvió a estrenarse en cines versión remasterizada.

Ed Wood

Tim Burton dirigió en 1994 un biopic sobre el joven director Ed Wood, alguien sin apenas formación académica y con la extraña afición de vestirse de mujer. Wood no desiste en convertirse en un director de éxito, aunque no le sobran oportunidades para dirigir buenas películas. Considerado uno de los peores directores del cine de la historia, forma un grupo de curiosos individuos, entre ellos el mítico Béla Lugosi (interpretado por Martin Landau), para rodar películas de bajo presupuesto. (tráiler)

Rodada íntegramente en blanco y negro por decisión de Tim Burton, la película sigue el rodaje de las películas de Wood Glen o Glenda, La novia del monstruo, y Plan 9 del espacio exterior, todas ellas con Béla Lugosi, con quien formó una gran amistad. Es por ello que esta relación es uno de los puntos fuertes de la película. Completan el reparto Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Bill Murray, Mike Starr y Lisa Marie.

El personaje de Wood está representado por múltiples facetas cuidadas al detalle que le valió a Johnny Depp una nominación al Globo de Oro. Con esta película se quiere homenajear el cine de terror y la serie B, que además nos muestra una visión de cómo era la industria de Hollywod en los años 50.

Hitchcock

En los años 50, el afamado director Alfred Hitchcock ha llegado a la cumbre de su carrera. Es entonces cuando decide rodar una nueva película de terror. La idea no parece tener buena acogida, por lo que no consigue apoyo para realizarla y ningún estudio quiere el proyecto. Así que toma la decisión de financiarla él mismo. Finalmente lleva a cabo su película y se convierte en una de las más importantes de la historia. (tráiler)

El reparto lo componen actores y actrices de la talla de Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Jessica Biel y James D'Arcy, y Hopkins reproduce todos los gestos así como la voz del maestro del suspense. Esto requería profundizar mucho en el personaje. El guión se basa en datos reales y coge parte del libro escrito por Stephen Rebello, Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, publicado en 1990.

Como todo biopic, refleja también el ámbito personal del director dándole un toque perturbador, reflejando sus temores a la hora de desarrollar sus ideas para hacer la película. Esto, según el director de la película, es representado por las puñaladas en la famosa escena de la ducha. El resultado es un interesante biopic que hará las delicias de los fans del clásico del cine de terror Psicosis.

Para que Scarlett Johansson se pudiera meter en el papel de Janet Leigh, recibió asesoramiento de Jamie Lee Curtis, hija de la actriz protagonista de Psicosis.

Recordando al gran cómico Oliver Hardy

Oliver Hardy nació un 18 de enero de 1892 en Harlem, Georgia, y fue uno de los grandes cómicos de la historia del cine, y alcanzó la fama cuando junto a Stan Laurel formó uno de los dúos cómicos más famosos. Hardy comenzó trabajando como proyeccionista en una sala de cine hasta que en 1913 comenzó a trabajar como cantante de vodevil y al mismo tiempo conseguía pequeños trabajos en los estudios cinematográficos.

En 1914 le llegó su primer papel en una película Outwitting Dad, para el estudio Lubin. En el mundo del espectáculo era conocido como Babe, debido a una experiencia que tuvo en una barbería, por lo que en varias ocasiones fue presentado con ese nombre.

Hasta 1915 había realizado un total de 50 cortometrajes, entonces se mudó a Nueva York donde comenzó a actuar en otras compañías artísticas como Pathé. Poco después regresó a Jacksonville, donde coincidió con otros grandes actores de la época como Charles Chaplin y Billie West.

Cartel de The Lucky Dog.

En 1917, Oliver Hardy viajó a Hollywood, donde años después haría su primera película para el estudio: The Lucky Dog, donde coincidió con un joven Stan Laurel. En esta película, Hardy interpretaba a un ladrón que debía atracar a Laurel. Entre 1918 y 1923, hizo más papeles de villano hasta que en 1924 pasó a trabajar con el cineasta Hal Roach donde trabajó con James Finlayson, uno de los actores que pasarían a formar parte de las películas de Laurel y Hardy como Laurel y Hardy en el Oeste.

En 1926 consiguió un papel en la película muda Get 'Em Young, pero sufrió un accidente culinario y tuvo que ser hospitalizado de urgencia, así que fue sustituido por Stan Laurel. En 1927, Laurel y Hardy comenzaron a trabajar juntos en películas como Sopa de ganso (no confundir con la película de los Hermanos Marx), donde se descubrió el potencial que tenían. Es entonces cuando surgió la idea de que formasen un dúo.

Stan Laurel y Oliver Hardy.

Poco después, comenzaron a producir cortometrajes, siendo uno de los más populares La batalla del siglo (1929), donde se utilizaba el elemento ahora clásico de las peleas de tartas. Con el cortometraje Hogar dulce hogar (Unaccustomed As We Are) (1929), se produjo la transición del cine mudo al cine sonoro, una situación a la que se adaptaron a la perfección, aunque al principio hubiera algunos problemas al doblar sus películas a otros idiomas debido a que no se contaba con la tecnología necesaria. En 1930 participaron en el corto Noche de duendes. 

Su primera película como protagonistas se estrenó en 1931. Pero su mayor logro hasta la fecha llegó con La caja de música, con la que consiguieron un Oscar al mejor cortometraje. En 1932 se encontraban de gira por Gran Bretaña, y viendo la gran acogida que tuvieron, decidieron ampliarla hasta un año. En 1933 estrenaron Compañeros de Juerga, la que es considerada como su mejor película y que tuvo tanto éxito que con el título de la película se formó un club de fans de los cómicos que hoy aún existe. Posteriormente, en 1936 estrenaron la divertida Dos pares de mellizos.

Cartel de Compañeros de juerga (Sons of the desert).

En 1939, Hardy trabajó en la película Zenobia, junto con el también cómico Harry Langdom, quien no tuvo tanta suerte al pasar al cine sonoro. Cuando resolvieron los problemas que había con Hal Roach, ya que Stan Laurel fue despedido, estrenaron Locos del aire (The Flying Deuce). 

Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, Laurel y Hardy emprendieron una nueva gira con la USO (United Service Organizations) para animar a las tropas. En 1940 protagonizaron Estudiantes en Oxford, hasta que en 1941 abandonaron los estudios de Hal Roach y comenzaron a hacer películas para la 20th Century Fox y Metro-Goldwyn-Mayer, pero no era lo mismo, ya que no tenían esa libertad de añadir gags a los guiones que tenían con Roach.

A la izquierda, Laurel y Hardy colaborando con la USO,
y a derecha, en This is your Life en 1954. 

A partir de 1949, Oliver Hardy trabajó con personalidades del mundo del cine como John Wayne, Frank Capra y Bing Crosby. En 1951 protagonizó su última película, Robinsones atómicos (también conocida como Utopía), pero fue un rodaje lleno de complicaciones, debido en parte a que el verano de aquel año fue uno de los más calurosos del siglo, problemas a la hora de interactuar con los demás actores, porque no hablaban ni francés ni italiano, por lo que buscaron a una intérprete. Y también por las condiciones físicas de Laurel y Hardy, por lo que su estreno se retrasó.

En 1952 emprendieron una nueva gira pero tuvo que ser suspendida por problemas cardíacos de Hardy, pero en 1953 volvieron a ser contratados por Hal Roach para protagonizar una serie de televisión llamada Laurel and Hardy´s Fabulous Fables, pero la serie nunca vio la luz. Se vio por última vez a la pareja en un programa de la BBC. Con Stan Laurel hizo un total de 68 cortometrajes y 28 largometrajes, mientras que la filmografía de Oliver Hardy en solitario cuenta con 285 películas.

En 1966, Hanna-Barbera Productions produjo una serie animada de Laurel and Hardy, y en 1972 aparecieron en un episodio de Las nuevas aventuras de Scooby-Doo. En 2011 se grabó el documental El Gordo y el Flaco: Sus vidas y su magia que nos muestra las vidas de estos dos personajes tanto dentro como fuera de la pantalla. Lo podéis ver completo aquí.

Películas para ver estas navidades.

Ya estamos bien entraditos en las navidades, y las cadenas de televisión nos bombardean a películas navideñas. Pues nosotros no vamos a ser menos, y para que podáis disfrutar en estas fiestas, os hemos preparado una lista de películas para que disfrutéis de las navidades.

Cuento de Navidad es una película de animación del año 2009 y una de las muchas adaptaciones que se han hecho de la novela escrita por Charles Dickens en 1843. Cuenta la historia de Ebenezer Scrooge, un viejo cascarrabias que trata con desprecio y de mala gana a su fiel empleado Bob Cratchit y a su alegre sobrino Fred.
Pero cuando los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras se le aparecen, su vida dará un giro de 360 grados y descubrirá que debe cambiar de actitud para poder reparar tantos años de avaricia, así como re-descubrir el verdadero significado de la Navidad. (tráiler)

La película está dirigida por Robert Zemeckis, y protagonizada por Jim Carrey, quien carga con casi todo el peso de la película, ya que presta su voz al protagonista en todas las etapas de su vida, así como de los tres espíritus que le visitan, pero en la versión en castellano, el actor de doblaje más conocido es el habitual de Jim Carrey, Luís Posada. Gary Oldman dobla a Bob Cratchit, así como al narrador de la historia. También prestan su voz a la película Colin Firth, Bob Hoskins y Cary Elwes.

La música está compuesta por Alan Silvestri, quien ha trabajado en otras bandas sonoras reconocidas como Regreso al futuro, Forrest Gump, Los Vengadores y Polar Express. Y cabe destacar la colaboración del cantante Andrea Bocceli y su interpretación de God Bless Us Everyone, tanto en inglés como en español. Pero no podemos dejarnos el tema principal de la banda sonora.

¡Vaya Santa Claus! es la típica película que suelen poner todos los años en Nochebuena. Tim Allen es Scott, un padre divorciado que está enfadado con el mundo y que apenas cree en Santa Claus, hasta que una noche oye un ruido en el tejado y sale a averiguar de qué se trata. Allí descubre a un individuo vestido de Santa Claus que termina cayendo del tejado, y al ponerse Scott su abrigo, se verá obligado a ocupar su lugar con todo lo que ello conlleva: engordar y tener barba. (trailer)

Puede que ¡Vaya Santa Claus! no sea una de las mejores películas navideñas, pero es un film recomendable para ver en familia, sobretodo si en casa hay peques, ya que ellos la disfrutarán más. No deja de ser una historia emotiva con ese toque de humor característico de Tim Allen (que ha trabajado en más de una película navideña). Es una película que, pese a los años, se puede disfrutar una y otra vez sin importar las veces que la hayas visto.

¡Socorro, ya es Navidad! es una comedia de finales de los 80 protagonizada por el actor cómico Chevy Chase, y es una secuela de la saga iniciada en 1983 con Las vacaciones de una chiflada familia americana. En esta ocasión, Clark Griswold, llevado por el espíritu navideño, planea dar una sorpresa a  su familia con una gran fiesta de Navidad. Pero una vez más, la suerte no le acompaña... ya que se desencadenarán una serie de divertidos acontecimientos que mandarán al traste los planes de Clark. (trailer)

Tercera entrega de las aventuras de la familia Griswold, que esta vez pasarán las vacaciones en casa, pero eso no les va a librar de la hecatombe. La película no busca otra cosa que no sea entretener al público con situaciones inverosímiles y delirantes en esta comedia típica de los 80, y que cuenta en su reparto con actores conocidos como Juliette Lewis, Johnny Galecki (Leonard en The Big Bang Theory) y Randy Quaid.

No tan típica es Tokyo Godfathers, una película de animación japonesa del año 2003, dirigida por Satoshi Kon (Perfect Blue), y cuenta la historia de tres vagabundos, Gin, Hana y Miyuki, que, una noche encuentran un bebé abandonado entre un montón de basura. Entonces se enzarzan en una discusión sobre si deben entregarlo a la policía o quedarse con él. Es entonces cuando deciden buscar a la familia del bebé. (trailer)

Es una entrañable historia de como tres personas tan diferentes y con sus historias personales (un transexual, un bebedor compulsivo y una chica que ha huido de casa), consiguen conectar de la forma que se ve en la película, y todos ellos deberán aprender a reconciliarse con su pasado. La película combina a la perfección escenas de comedia y drama sin llegar a caer en el sentimentalismo. Toda una joya de la animación que en 2003 ganó un premio en el Festival de Sitges en la categoría de Mejor largometraje de animación.

Vamos ahora con todo un clásico navideño: Solo en casa. Los McAllister son una familia muy numerosa que se prepara para pasar las navidades en París, pero accidentalmente olvidan a su hijo pequeño, Kevin, y este se queda solo en casa. Al final no le quedará más remedio que aprender a vivir solo y defender su casa de dos ladrones que planean entrar a robar. (trailer)

Solo en casa es una película dirigida por Chris Columbus, y fue una de las películas más exitosas de los años 90, una película para toda la familia, con momentos muy divertidos a la par que emotivos, con una banda sonora inolvidable compuesta por el genial John Williams, siendo uno de los temas más destacados la canción Somewhere in My Memory.

En 1992 se estrenó su secuela, Solo en casa 2: perdido en Nueva York, que sigue más o menos el mismo patrón de la primera pero traslada la acción a la Gran Manzana. Lo bueno es que en esta secuela volvemos a ver a Harry y a Marv (Joe Pesci y Daniel Stern). Menos éxito, por no decir ninguno, tuvo Solo en casa 3, estrenada en 1997 y que no tenía nada que ver con las dos anteriores. Ya en 2002 se estrenó Solo en casa 4, una película para televisión que tenía como protagonistas a los mismos personajes que en primera, pero con otros actores, y la verdad es que no fue mucho mejor que Solo en casa 3. Y diez años después se estrenó la "quinta entrega", Solo en casa 5. Es lo más normal del mundo que estas "tres secuelas" hayan caído en el olvido, porque no son más que meros subproductos.

¿Cuál es la peor pesadilla para un padre cuando llegan las navidades? Normalmente, todos los años siempre hay un juguete que se pone de moda y todos los niños lo piden para Navidad. Esto conlleva que muchos padres (y los no padres), se vuelvan loco buscándolos. A este problema debe enfrentarse Arnold Schwarzenegger en Un padre en apuros, que interpreta a un hombre de negocios que siempre está hasta arriba de trabajo y descuida a su familia. Para compensarlo, le promete a su hijo que le regalará el juguete de moda: el muñeco Turboman. Pero cuando va a comprarlo, descubre que está agotado, y emprenderá una loca carrera con tal de conseguirlo. (trailer)

Completan el reparto Jake Lloyd (antes de ser Anakin Skywalker), como el hijo de Schwarzenegger, y el humorista Sinbad, como el rival en la película. También hacen un cameo James Belushi y Martin Mull, el director del instituto en Sabrina, cosas de brujas. Un padre en apuros es otra película para ver en familia cuyo único fin es entretener. Algunos conservamos los recuerdos de haber visto esta película en el cine, cuando entonces se podía ir con toda la familia. Por eso, pese a que no sea la película del año, se vuelve a visionar con cierta nostalgia.

Love Actually es una comedia romántica de nacionalidad británica. La peculiaridad de esta película es su formato, ya que en ella se narran varias historias cruzadas con personajes muy variopintos: el primer ministro británico (Hugh Grant), una vieja estrella del rock (Bill Nighy), un escritor (Colin Firth) que se enamora de su asistenta de origen portugués o un actor porno (Martin Freeman) que se enamora de su "compañera" de rodaje. (trailer)

Estas son algunas de las historias que nos cuentan en Love Actually, pero el tema central de la película es mostrarnos que el amor está en todas partes, con sus más y sus menos. La película está llena de rostros conocidos: Liam Neeson, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Chiwetel Ejiofor, Andrew Lincoln, Thomas Brodie-Sangster, Billy Bob Thornton, incluso Rowan Atkinson tiene una pequeña aparición. Esto sin duda es lo mejor que tiene Love Actually, la variedad de personajes y el hecho de que no sea una película romántica convencional que nos ha dejado una de las escenas más memorables. Su tono humorístico es muy característico de Richard Curtis en su debut como director, además trabajó como guionista en Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill.

Isao Takahata: Un repaso a su carrera

Nacido un 29 de octubre de 1935, Isao Takahata es un director, productor y guionista de películas de animación japonesa, siendo uno de los cineastas más reconocidos del género. Isao Takahata fue influenciado por el neo-realismo italiano y por la New Wave francesa de los años 60 con Jacques Prévert, Paul Grimault y Michel Ocelot.

Takahata inició su carrera artística trabajando en la compañía Toei Animation, que nos trajo series como Mazinger Z, Dr. Slump, Bola de Dragón, Sailor Moon o Marmalade Boy, conocida en España como La familia crece. Debutó en la dirección en 1963, dirigiendo anuncios de televisión y openings de diferentes series de animación. Y ya en 1968 dirigió su primera película: Las aventuras de Hols: Príncipe del sol, donde también colaboró Hayao Miyazaki. Aquí está la película completa. Con esta película se buscaba hacer algo diferente a lo que se había hecho anteriormente. A esa película le siguieron Las Aventuras de Panda y sus Amigos (1972), y Goshu, el violoncelista (1982).

En la década de los 70, Isao Takahata comenzó a trabajar en Nippon Animation, estudio que produjo series tan conocidas como Heidi (1974), Marco (1976) o Ana de las Tejas Verdes (1979), todas dirigidas por Takahata. Las obras de animación como Heidi supusieron una revolución en la época por su innovación menos costumbrista en las tramas, como otras series de acción. Y a ese éxito la acompañaron otras series como Marco (De los Apeninos a los Andes) y Ana de las Tejas Verdes. En 1971 dirigió junto a Hayao Miyazaki la serie de anime Lupin III, producida por Tokyo Movie Shinsha. En 1979, Hayao Miyazaki dirigió su primera película, El castillo de Cagliostro, centrada en este personaje.

Ya en la década de los 80, Takahata se asoció con Hayao Miyazaki y juntos fundaron el famoso Studio Ghibli en 1985, para el cual, ha dirigido un total de cinco películas. La primera de ellas fue La tumba de las luciérnagas, una historia dramática que tiene lugar en la Segunda Guerra Mundial, y sigue a dos hermanos, Seita y Setsuko, que se ven obligados a sobrevivir como pueden. No hay duda de que es una de las mejores películas de animación de la historia, ya no solo por la animación que es excelente, sino por su mensaje anti-belicista (tráiler). Tampoco podemos olvidarnos de su buena banda sonora, compuesta por Yoshio Mamiya.

La tumba de las luciérnagas.

La película está basada en la novela de Akiyuki Nosaka, inspirada en las propias vivencias del autor. En 2005, se estrenó una versión de imagen real producida para televisión, conmemorando el 60º aniversario de la Segunda Guerra Mundial, mientras que una segunda versión, también de imagen real, fue estrenada en 2008. La tumba de las luciérnagas está considerada como el mayor éxito de Isao Takahata. Refleja a la perfección lo crueles que pueden llegar a ser los humanos en tiempos de guerra. Todo un clásico de la animación con una calidad muy destacable.

En 1991 dirigió Recuerdos del ayer, que contaba con Hayao Miyazaki como productor. La película trata sobre una chica que decide viajar al pueblo en el que vivió muchos de los momentos más felices de su vida, y al mismo tiempo se plantea su presente.  Es una de las películas más singulares de Studio Ghibli, es muy diferente de lo que se ha hecho anteriormente en el mundo del anime y está dirigida a un público adulto. Con esta película se quería mostrar una mayor similitud con la vida real, por lo que los rasgos de los personajes están más definidos, como las mejillas. Esto ocasionó que el estreno se retrasara. (tráiler).

Recuerdos del ayer.

Así como curiosidad, pese al éxito de la película en Japón, no fue estrenada en ningún otro país durante más de diez años. El primer país occidental donde se estrenó Recuerdos del ayer fue en Alemania en 2006 y doblada al alemán. Pese a que Disney tiene los derechos de distribución, ha decidido no lanzarla en países como Estados Unidos debido a que es una película adulta. En España fue lanzada en DVD en el año 2010.

En 1994 estrenó su tercera película para el Studio Ghibli: Pompoko. Según cuenta la tradición popular, los tanuki, una especie de mapache japonés, tienen la habilidad de transformarse en humanos con sólo desearlo. Cuando una familia de estos animales descubre que los hombres están acabando con el bosque para construir una urbanización, se preparan para combatirlos usando de todo su poder en una guerra como nunca antes se ha visto. La película está ambientada en un entorno típico y folclórico japonés. Fue el segundo éxito de Isao Takahata, por la visión que ofrece de las tradiciones japonesas frente a la modernización. La película tuvo bastante acogida entre el público y la crítica, lo que la impulsó a ser elegida como representante a los Oscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. (tráiler).

Pompoko.

Mis vecinos los Yamada es la cuarta película dirigida por Isao Takahata, y la doceava del Studio Ghibli. Está basada en un manga publicado desde 1991 a 1997, y lo curioso de esta película es que es una comedia familiar, presentada como si fuera una tira cómica y muestra la rutina de una familia normal y corriente. En esta ocasión, el director decidió sustituir la animación tradicional por animación generada por ordenador, siendo la primera película de Studio Ghibli realizada con este sistema. (tráiler).

Y ya en 2013 dirigió su última película hasta la fecha: El cuento de la princesa Kaguya, que está basada en en el cuento popular japonés El cortador de bambú. La película trata sobre una pareja de ancianos que encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú y deciden entonces adoptarla como si fuera su hija. Entonces se convertirá una mujer hermosa deseada por todos, hasta que un día vienen a buscarla del lugar del que procede. (tráiler)

El cuento de la princesa Kaguya.

La película ha sido exhibida en muchos festivales (Festival de Cine de Toronto, Festival de Cine de San Sebastián, Festival de Cannes, Festival de Cine de Sídney), obteniendo buenas críticas en la categoría de animación. En Estados Unidos también tuvo una gran aceptación, ganando el premio al Mejor Largometraje de Animación, dejando en segundo lugar La Lego Película. También estuvo nominada a los Oscar compitiendo con Big Hero 6, Los Boxtrolls, Cómo entrenar a tu dragón 2 y La canción del mar.