Películas para el Día Mundial de la Felicidad

Inside Out (Del revés)

Una de las últimas películas de Disney-Pixar y que se llevó el Oscar a Mejor Película de Animación. Aquí vemos las distintas emociones básicas, que en su día catalogó el psicólogo Paul Ekman, como dirigen nuestro cuerpo. Se centra en la vida de Riley, una niña que la vamos viendo crecer. Pero la protagonista no es ella, sino los sentimientos que 'tiene dentro de su cabeza'.

Alegría es la que dirige a las demás emociones e intenta que Tristeza no tenga tanta presencia. Cuando Tristeza toca el panel de mandos, Riley se pone triste. Cuando Alegría y Tristeza salen del Centro de Mandos por accidente, veremos que las demás emociones intentan solucionar los problemas de Riley a su manera. De mientras, Alegría y Tristeza se irán conociendo más, enlazando una amistad entre ellas.

La conclusión final es que Alegría se da cuenta de la importancia de Tristeza. Pese a ser una emoción negativa, es también necesaria para la madurez de Riley y para encontrar la felicidad. Porque a veces, cuando más Tristeza tenemos es cuando podemos ver un rayo de Alegría. Las dos emociones suponen como el 'Yin y el Yang' de la existencia. Son opuestas, pero deben existir para que aprendamos a valorar más las cosas en la vida. Cuando buscamos la felicidad, también nos encontramos con la tristeza y el dolor. Esto es lo que nos enseña Inside Out.

Invictus:

Con los actores Morgan Freeman y Matt Damon, y dirigida por Clint Eastwood, este film nos muestra parte de los hechos ocurridos en Sudáfrica durante los años 90. Con la abolición del sistema apartheid y el nombramiento de Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, el país se encuentra muy dividido.

Mandela sabe que debe unir al pueblo, dando igual el color de su piel. Para ello, usará la Copa Mundial de Rugby y al equipo de los "Springboks", con el objetivo de traer la felicidad a su nación. La dificultad es muy alta ante el odio y el medio que han sucumbido durante más de 50 años el país de Sudáfrica. El propio Mandela fue encarcelado por luchar contra ello.

Por eso mismo, sabe lo complicado que es dejar a un lado la venganza y busca, a través del deporte, unir a los suyos. La alegría a veces nos queda oculta tras el odio, y solo los que son capaces de perdonar pueden conseguir alcanzarla. Mandela supo ver de qué manera podía la gente dejar su odio a un lado y unirse como nación. 


Mejor... imposible

Mejor... imposible es una película protagonizada por Jack Nicholson (ganador del Oscar al Mejor actor), Helen Hunt (ganadora del Oscar a la Mejor actriz), y Greg Kinnear. Jack Nicholson interpreta a Melvin, un escritor con muchas manías, y es la última persona del planeta que te gustaría tener como vecino. Melvin es un hombre de fijas costumbres. Todos días acude a comer al mismo restaurante donde trabaja Carol (Helen Hunt). Y en su mismo edificio vive Simon (Greg Kinnear), un artista homosexual que tiene que sufrir diariamente su homofobia. Todo esto cambia el día en que Melvin debe hacerse cargo del perro de Simon, a pesar de que no le gustan los animales.

El principal elemento de la película es la enfermedad del personaje de Jack Nicholson. Padece un trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), una enfermedad que afecta sobretodo a la conducta. Algunos ejemplos de ello son por ejemplo la obsesión por la higiene o por el orden. Y son estas obsesiones las que dificultan a la persona que la padece alcanzar la felicidad.

Finalmente, el protagonista de esta película se da cuenta de que la felicidad no se encuentra aislándose uno mismo del resto del mundo. El ser humano es así, y siempre busca algún tipo de relación que sea satisfactoria, ya sea una amistad, una relación de pareja o una mascota, que en este caso es el perro de Simon, al que Melvin debe cuidar, y eso es algo que conseguirá ablandarle. Todo esto es narrado con un tono mordaz y muy divertido a la vez, llevado de una forma muy inteligente.


Amelie

Amélie es una chica de 22 años muy diferente a todas las demás. Ella, que ha visto como su adorado pez de colores desaparecía por la alcantarilla o a su padre dedicando toda su vida a un gnomo de jardín, descubre que sorprender a los que la rodean anónimamente es lo que realmente le hace feliz. 

Ese es su deseo a partir de ahora. Hacer felices a los demás. Entre ellos, Georgette, la estanquera hipocondríaca o ‘El Hombre De Cristal’, un vecino que sólo ve el mundo a través de un cuadro de Renoir. Lo único que Amélie no es capaz de hacer es buscar su propia felicidad y así mostrar sus sentimientos al hombre que ama. Nino, un chico tan diferente como ella, que trabaja en una atracción de feria y también en un sex shop. Pero el destino siempre es quien decide, y ella no va a ser la excepción.

Intocable

La vida de Phillippe cambió radicalmente cuando un accidente le dejó parapléjico. Driss es un joven pobre pero con unas inmensas ganas de vivir. Busca trabajo, justo ahora que acaba de salir de la cárcel. Phillippe contrata a Driss para que sea su asistente personal y la relación que entre ellos se crea consigue cambiar a ambos.

Para el primero, la vida vuelve a tener color y para el segundo, la vida vuelve a ser vida. Esa capacidad de superación incluso cuando crees que no puedes más y una increíble BSO han hecho de esta película una gran oda a la vida, haciendo a sus protagonistas, intocables.


Rocky Balboa

La saga de Rocky siempre ha sido conocida por ser inspiradora y estar plagada de referencias a la superación. Sin embargo, es en su sexta entrega donde podemos ver al retirado boxeador buscando su propia felicidad. Su vida ha cambiado mucho y ha perdido cosas de muchísimo valor. Pero quiere volver al ring, en un último combate para deshacerse del dolor que siente.

Con la edad que tiene y sus problemas de salud, vemos que le deniegan su licencia de boxeador. En un discurso motivador sobre la búsqueda de la felicidad, vemos a un Rocky Balboa dispuesto a sacrificarlo todo para encontrar su camino. Porque la felicidad a veces hay que buscarla. A veces hay que pelear por ella. No aparece por arte de magia. Porque el mundo no es todo alegría y color.

Big Fish

Esta película dirigida por Tim Burton se centra en la relación entre un padre y un hijo. Lo novedoso es que lo hace a través de las historias que ha contado el padre a lo largo de toda su vida, que parecen fascinar a todo el mundo excepto al hijo. Pero en el momento en el que la vida de su padre está a punto de terminar, el hijo se embarca en un viaje para descubrir qué hay de verdad en esos cuentos.

La mezcla entre realidad y fantasía es el hilo conductor de esta historia, que resulta ser un canto a la vida y al optimismo. Pese a las dificultades, el padre a lo largo de su vida no se rinde en ningún momento, y además consigue hacer mejor la vida de otros personajes que conoce. Su carácter es alegre, y parte de ese positivismo se ve reflejado en cómo cuenta las anécdotas de su vida. En cambio, su hijo tiene una visión más realista de los acontecimientos, y por esto sus personalidades chocan.

El tono optimista de la película al narrar los hechos contrasta con los temas tan duros que toca en algunos casos (como la enfermedad y la muerte), y el mensaje final es muy emotivo. La banda sonora de Danny Elfman refleja todos estos sentimientos, en un tono muy acorde al de la película.

Cine dentro del cine

El cine está plagado de géneros y subgéneros que han llegado a cautivar a muchos espectadores, pero hay otro género que ha querido mostrar la otra cara del séptimo arte: es el cine dentro del cine, es decir, esas películas que nos muestran cómo han llegado a rodarse algunas de las películas más emblemáticas del cine, y de eso es de lo que vamos a hablar en este artículo.

El último gran héroe

Es una película de 1997 dirigida por John McTiernan (Jungla de Cristal), cuyo protagonista, Danny, es un chico al que le entusiasma mucho el cine, y es un gran admirador de Jack Slater (Arnold Schwarzenegger), su héroe de acción favorito. Cuando asiste al estreno de su última película, el acomodador del cine le regala una entrada que a él le había regalado Houdini. Dicha entrada posee poderes mágicos, y mediante ella, Danny logra entrar dentro de la película y vivir aventuras junto a su héroe. (tráiler)

Lo original de esta película es que muestra un universo propio, en este caso, el de las peripecias de Jack Slater, un homenaje al típico héroe de acción americano y a las buddy movies o películas de colegas, un género que tiene su origen en los años 20, pero que alcanzó su máxima popularidad a partir de la década de los 70. Asimismo, vemos otras referencias a los tópicos del cine, como lo del prefijo 555, un prefijo que no existe y que utilizan en todas las películas.

Otra cosa que llama mucho la atención es la gran cantidad de personalidades del cine y de la música que hacen un cameo, pero lo más curioso es que lo hacen interpretándose a ellos mismos. Aparecen en el mundo real, en el estreno de la nueva película de Jack Slater: Tina Turner, Maria Shriver, Little Richard, James Belushi, Jean-Claude Van Damme, Chevy Chase, incluso Arnold Schwarzenegger. Hay una secuencia muy divertida cuando se juntan dos Schwarzenegger en la pantalla.

Tina Turner, Maria Shriver, Arnold Schwarzenegger, Little Richard,
James Belushi, Jean-Claude Van Damme y Chevy Chase.

Pero no son los únicos que aparecen en la película, ya que cuenta con otros actores reconocidos, unos que forman parte de la trama de la película, y otros que solo aparecen como homenajes a películas de los años 80 y 90, como Amadeus, Terminator 2 e Instinto Básico. Estos actores son Ian McKellen, F. Murray Abraham, Robert Patrick (como el T-1000), Sharon Stone, Anthony Quinn y Charles Dance (Tywin Lannister en Juego de Tronos).

Ian McKellen, F. Murray Abraham, Robert Patrick,
Sharon Stone, Anthony Quinn y Charles Dance.

Haciendo alguna mención a su banda sonora, cuenta con canciones de bandas míticas de heavy metal y rock 'n' roll, como Big Gun de AC/DC, What the Hell Have I o A Little Bitter de Alice in Chains, Dream On de Aerosmith, Two Steps Behind, de Def Leppard o Angry Again de Megadeth.

El Proyecto de la Bruja de Blair

Esta película de terror de 1999 rodada como un mockumentary (falso documental), sigue a tres estudiantes de cine (Heather Donahue, Mike Williams y Joshua Leonard) que se desplazan a Maryland para rodar un documental sobre una de las leyendas de la zona: la Bruja de Blair. La película parte con la premisa de que está basada en hechos reales y que nos muestra los aterradores acontecimientos que presenciaron los tres protagonistas. (tráiler)

El género de falso documental tiene su origen en los años 30, siendo una de las primeras obras la versión radiofónica de La guerra de los mundos, de Orson Welles. Desde entonces, este género ha sido muy utilizado por los cineastas. Hablando de El Proyecto de la Bruja de Blair, es una película que contaba con un presupuesto de unos 25.000 euros, pero que resultó ser una de las películas más rentables por su recaudación. Sin duda, el mejor elemento de la película es que consigue hacerte padecer y ponerte en la piel de sus protagonistas pese a la ausencia de sustos y golpes de efecto del cine de terror convencional.

La película está llena de curiosidades. La que más llama la atención es que los protagonistas utilizaron sus nombres verdaderos, y el rodaje, que se hizo íntegramente con una cámara de 16 mm. En el año 2000 se estrenó la secuela, que no fue tan exitosa.

Al encuentro de Mr. Banks

Durante 14 años, el cineasta Walt Disney trabajó mucho para lograr que la escritora australiana P.L. Travers (quien pasa por malos momentos económicos) le cediera los derechos de su novela más famosa: Mary Poppins. Tras la ardua tarea, Disney finalmente consigue que Travers le permita llevar su creación al cine, película que terminó siendo un gran éxito a nivel mundial. Esta película nos muestra todo lo que se tuvo que trabajar para sacarla adelante, incluyendo la composición de los temas musicales. En nuestro blog podéis leer una crítica completa. (tráiler)

Si bien Al encuentro de Mr. Banks es una versión "edulcorada" de la verdadera historia, lo interesante es que muestra la infancia de P.L. Travers, los acontecimientos y personas de su vida que influyeron en la creación del personaje de Mary Poppins.

Argo

Basada en hechos reales, Argo nos traslada a Teherán en 1979, cuando la embajada de Estados Unidos es atacada por fanáticos seguidores del Ayatolá. Un grupo de empleados de la embajada logran evadirlos y consiguen escapar y ocultarse en la casa del embajador de Canadá. Para sacarlos del país, recurren a un experto en rescate de rehenes (Ben Affleck), a quién se le ocurre la idea de fingir que están rodando una película de ciencia-ficción a lo Star Wars, para que puedan sacarles del país como si formasen parte del equipo de rodaje. Para llevar a cabo la operación, contacta con un experto en maquillaje (John Goodman) y un productor de cine (Alan Arkin). (tráiler)

Argo es el tercer largometraje como director de Ben Affleck, y además interpreta a Tony Mendez, un agente de la CIA que ideó el plan para rescatar a los diplomáticos que huyeron de la embajada estadounidense, además fue coproducida por el también actor George Clooney. La película tuvo muy buena acogida internacionalmente. Reproduce un acontecimiento histórico cuidando hasta el más mínimo detalle con personajes bien construidos, aunque también hubo alguna que otra polémica por parte del gobierno y la prensa iraní. Pese a todo, la película consiguió hacerse con tres Premios Oscar (mejor película, siendo la estatuilla entregada por Michelle Obama, mejor guión y mejor banda sonora).

Tesis

Tesis es una película española de 1996, dirigida por Alejandro Amenábar. Su protagonista es Ángela, una estudiante que trabaja en una tesis sobre la violencia audiovisual. Para ello contará con la ayuda de su profesor, un excéntrico estudiante aficionado al cine gore, y un chico amigo de una joven asesinada. Ángela pronto descubrirá que en la universidad están matando a chicas jóvenes para filmar snuff movies. (tráiler)

Tesis supone el debut en la dirección de largometrajes de Alejandro Amenábar. Se comenta que para rodar esta película se inspiró en El fotógrafo del pánico, del director inglés Michael Powell. La película fue todo un éxito, consiguiendo siete Premios Goya, incluyendo Mejor película, Mejor director novel, y Mejor guión, y sirvió de impulso para la carrera de Amenábar. No pueden faltar homenajes a otras obras de cine, como Himenóptero, el tercer cortometraje de Amenábar, La leyenda del viento del Norte, La noche del cazador, Mi Idaho Privado y Holocausto caníbal.

La película está considerada no solo como una crítica a la violencia en el cine, sino también a los aficionados a ella. Es un buen thriller cargado de suspense que cuantas más veces ves, más te gusta.

La invención de Hugo

La historia se desarrolla en los años 30 en París. Hugo es un joven huérfano experto en la reparación de relojes y muy hábil en pasar desapercibido que vive en una estación de tren. Todo cambia cuando conoce al enigmático dueño de la tienda de juguetes de la estación y a una niña entusiasta apasionada por el cine. Juntos tratarán de averiguar el secreto que oculta un autómata que Hugo ha estado reparando a escondidas. (tráiler)

La invención de Hugo está basada en la novela de Brian Selznick, con guión de John Logan (Gladiator, Sweeney Todd). En su reparto tenemos a Asa Butterfield, Ben Kingsley, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee y Emily Mortimer. Martin Scorsese nos cuenta una historia mágica, donde el cine es el verdadero protagonista. Una película que invita a soñar y vivir las historias que leemos en los libros y vemos en las pantallas de cine. 

Lo interesante de la película es que también homenajea a Georges Méliès, el padre de los efectos especiales, y sus dos películas más memorables: Viaje a la Luna y El viaje imposible, aunque en la película hay algunas diferencias respecto a la verdadera historia de Méliès, tales como su supuesta desaparición en la Primera Guerra Mundial, así como su personalidad. Uno de los puntos fuertes a parte de la banda sonora, es la variedad de personajes. Se presentan de un modo similar a la película francesa Amélie, y aunque parezca que esos personajes no aportan gran cosa a la trama, cada uno tiene su historia, y le da profundidad a la película. La invención de Hugo ha ganado numerosos premios, siendo los más destacados seis Premios Oscar en categorías técnicas (fotografía, dirección artística, edición de sonido, efectos visuales, sonido y montaje), y dos Premios BAFTA.

The Artist

Estrenada casi junto con La invención de Hugo, The Artist transcurre en Hollywood en 1929 (en plena «edad de oro de Hollywood»), y George Valentin, una de las grandes personalidades del cine mudo rebosa éxito, hasta que llega la revolución del cine sonoro. Esto le supone una amenaza, puesto que su carrera peligra. Mientras tanto, Peppy Miller, otra joven actriz que también tuvo sus inicios en el cine mudo junto con Valentin, no tiene en cuenta ese temor puesto que llega a convertirse en una estrella del cine sonoro. (tráiler)

Entre La invención de Hugo y The Artist hay cierta complementación. Mientras la primera es una película estadounidense que ahonda en el origen del cine francés, la segunda es una película francesa que abarca el origen del cine en Estados Unidos, la transición del cine mudo al cine sonoro y las repercusiones que esta tuvo en los artistas de la época que en realidad ya vivieron actores como John Gilbert. Por lo tanto, The Artist está rodada como si fuera una película muda. Y como tal, no pueden faltar referencias a obras de cine clásico como Ha nacido una estrella, por el hecho de la decadencia y el triunfo de los personajes protagonistas, Ciudadano Kane, El ángel de la calle, y El séptimo cielo.

The Artist se hizo con el Premio Oscar en la categoría de mejor película, premio al que también optaba La invención de Hugo. También se hizo con las categorías de mejor director, mejor actor, y mejor banda sonora, aunque por esto último hubo cierta polémica por parte de la actriz Kim Novak, alegando que fue una «violación», porque utilizó fragmentos de la banda sonora de Vértigo, compuesta por Bernard Herrmann.

Cinema Paradiso

Si hay una película que representa la auténtica pasión por el cine, esa es Cinema Paradiso, una película de origen italiano dirigida por Giuseppe Tornatore que nos cuenta la historia de Salvatore, un renombrado director que regresa a su pueblo natal tras treinta años de ausencia. Allí pronto evocará todos los recuerdos que marcaron su vida, incluyendo su primer amor y las enseñanzas de su viejo amigo Alfredo, un proyeccionista que conservaba los fragmentos de las películas que eran censuradas. (tráiler)

Cinema Paradiso está considerado todo un clásico del cine italiano y es una de las películas más bellas que se han hecho en relación con el séptimo arte. Una película que emocionará incluso a los más duros de corazón. Todo ello visto a través de los ojos de una persona apasionada por el cine. La magnífica banda sonora compuesta por Ennio Morricone le va como anillo al dedo. Resumiendo, una película muy entrañable a la par que enternecedora. Cinema Paradiso supuso el resurgir del cine italiano que, más tarde nos trajo maravillas como La vida es bella. En 2014, la película volvió a estrenarse en cines versión remasterizada.

Ed Wood

Tim Burton dirigió en 1994 un biopic sobre el joven director Ed Wood, alguien sin apenas formación académica y con la extraña afición de vestirse de mujer. Wood no desiste en convertirse en un director de éxito, aunque no le sobran oportunidades para dirigir buenas películas. Considerado uno de los peores directores del cine de la historia, forma un grupo de curiosos individuos, entre ellos el mítico Béla Lugosi (interpretado por Martin Landau), para rodar películas de bajo presupuesto. (tráiler)

Rodada íntegramente en blanco y negro por decisión de Tim Burton, la película sigue el rodaje de las películas de Wood Glen o Glenda, La novia del monstruo, y Plan 9 del espacio exterior, todas ellas con Béla Lugosi, con quien formó una gran amistad. Es por ello que esta relación es uno de los puntos fuertes de la película. Completan el reparto Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Bill Murray, Mike Starr y Lisa Marie.

El personaje de Wood está representado por múltiples facetas cuidadas al detalle que le valió a Johnny Depp una nominación al Globo de Oro. Con esta película se quiere homenajear el cine de terror y la serie B, que además nos muestra una visión de cómo era la industria de Hollywod en los años 50.

Hitchcock

En los años 50, el afamado director Alfred Hitchcock ha llegado a la cumbre de su carrera. Es entonces cuando decide rodar una nueva película de terror. La idea no parece tener buena acogida, por lo que no consigue apoyo para realizarla y ningún estudio quiere el proyecto. Así que toma la decisión de financiarla él mismo. Finalmente lleva a cabo su película y se convierte en una de las más importantes de la historia. (tráiler)

El reparto lo componen actores y actrices de la talla de Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Jessica Biel y James D'Arcy, y Hopkins reproduce todos los gestos así como la voz del maestro del suspense. Esto requería profundizar mucho en el personaje. El guión se basa en datos reales y coge parte del libro escrito por Stephen Rebello, Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, publicado en 1990.

Como todo biopic, refleja también el ámbito personal del director dándole un toque perturbador, reflejando sus temores a la hora de desarrollar sus ideas para hacer la película. Esto, según el director de la película, es representado por las puñaladas en la famosa escena de la ducha. El resultado es un interesante biopic que hará las delicias de los fans del clásico del cine de terror Psicosis.

Para que Scarlett Johansson se pudiera meter en el papel de Janet Leigh, recibió asesoramiento de Jamie Lee Curtis, hija de la actriz protagonista de Psicosis.

Películas que más nos han gustado de 2015

Comenzamos nuevo año, y somos conscientes de que además de atracones a comida, os habéis tragado películas navideñas hasta la saciedad. El 2015 ha sido un año en el que se han estrenado en nuestras salas de cine películas que el público ha esperado con gran expectación, debido en parte a la enorme publicidad que se les ha hecho, pero que no todas han funcionado igual de bien en taquilla, por lo que nosotros no vamos a hablar de las que más o menos éxito han tenido, sino que hablaremos de aquellas que más nos han gustado. Si bien es cierto que nos dejaremos alguna en el tintero, podéis dejar constancia de ellas tanto en nuestro Twitter como en nuestra página de Facebook. Dicho esto, comenzamos.

Jurassic World

Más de 20 años después de que Spielberg estrenará Parque Jurásico, la adaptación de la novela del afamado escritor Michael Crichton, y casi 15 años después de la no tan exitosa Parque Jurásico III, aprovechando la fórmula de “rescatar” antiguos éxitos, tenemos Jurassic World, cuarta entrega de la saga que transcurre 22 años después de lo acontecido en la Isla Nublar, nos descubre cómo sería el parque si hubiese llegado a abrir y nos presenta nuevos “dinosaurios”, otros viejos conocidos mostrados de un modo distinto, además de dinosaurios domésticos y otro tipo de atracciones. Todo parece ir bien hasta que esa nueva creación escapa de su recinto y siembra el caos por todo el parque (tráiler).

Lo que tenemos es una visión más espectacular de lo que fue el parque original, aunque la dinámica es la misma, todo va bien hasta que las cosas se descontrolan. Pero te causa la misma impresión que cuando en su momento se estrenó Jurassic Park. Y para los nostálgicos de la saga, es todo un acierto que añadiesen pequeños homenajes a la película original. Es una película que se ha adaptado a los tiempos que corren, pero al mismo tiempo ha sido respetuosa respecto a la primera.

En esta entrega, el maestro John Williams no se encarga de la banda sonora, sino que Michael Giacchino recoge el testigo. Y hace un gran trabajo, ya que al volver a escuchar esa magnífica banda sonora, uno experimenta una gran sensación. Del reparto de la película, que está bien elegido, dedicamos una entrada en nuestro blog.

Del revés (Inside Out)

Pixar puede presumir de contar entre su filmografía con algunas de las mejores cintas animadas de los últimos años (cuando su intención no es vender coches de juguete), entre ellas Inside Out.

La trama nos presenta a una niña de 12 años que se ve obligada a dejar su vida atrás debido a una mudanza por problemas económicos de sus padres. Lo que de otra manera sería un drama familiar al uso se cuenta de forma muy original: por medio de las emociones que habitan en su cabeza (Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco) y que marcan y almacenan sus recuerdos. Desde su infancia, la emoción dominante ha sido Alegría. Sin embargo, con la mudanza, entran en juego el resto, confusas y sin saber qué hacer, especialmente Tristeza, a la que nadie parece querer. (tráiler)

Es una película que invita a reflexionar, y de la que se pueden sacar múltiples lecturas. El lado infantil está muy presente, pero al mismo tiempo se juega con las emociones de forma muy adulta. Y, sobre todo, su mensaje implica que todas las emociones tienen sentido, hasta las que consideramos negativas.

Star Wars: Episodio VlI - El despertar de la Fuerza

Se han vertido ríos de tinta sobre esta película, probablemente la más esperada de 2015. Pese a ello, no vamos a revelar detalles sobre el argumento en este top. Si bien a mucha gente le ha gustado mucho, otros han quedado decepcionados porque esperaban algo más original. Pero quien vaya sin prejuicios ni expectativas (algo difícil, todo hay que decirlo) y con la intención de ver una buena película de aventuras y, sobre todo, una buena película de Star Wars, disfrutará en el cine de principio a fin. (tráiler)

Si bien aún es pronto para juzgar si será olvidable con el tiempo o un clásico instantáneo, por el momento cumple (con creces) lo que promete. Acción, aventuras, nuevos personajes, viejos conocidos, banda sonora de John Williams, naves espaciales míticas y una galaxia muy lejana. Pero sobre todo, es un nuevo comienzo, que marcará cómo se va a desenvolver el resto de la trilogía.

Abrams coge el testigo de Lucas y nos ha gustado el resultado. Para más información, ved la película y luego nos contáis qué os ha parecido.

La Teoría Del Todo

Una visión a la vida del astrofísico Stephen Hawking desde que le es diagnosticada su enfermedad (ELA – Esclerosis Lateral Amiotrófica) y su lucha incansable por seguir viviendo con la ayuda de su primera mujer, Jane, a la que conoció en la universidad y que durante 25 años estuvo a su lado. Basada en las memorias de Jane, Travelling to Infinity: My life with Stephen, la película se estrenó en España el 16 de Enero y se convirtió en la más taquillera en su primer fin de semana en los cines. (tráiler)

Eddie Redmayne, que se llevaría el Oscar al mejor actor protagonista y su dulce compañera Felicity Jones, dan vida a unos Stephen y Jane que se conocen en la universidad y luchan contra todos los obstáculos que la enfermedad va poniendo ante ellos una y otra vez. La banda sonora, creada por Jóhann Jóhannsson, ayuda a que la historia, contada como un bello relato de amor, nos emocione de una manera como pocas biografías hasta hoy.

Straight Outta Compton

O´Shea Jackson Jr. como Ice Cube y Corey Hawkins como Dr. Dre nos llevan al peligroso barrio de Compton, en California, a mediados de los años 80. Allí, un grupo de amigos deciden recrear su dura vida mediante el hip hop, en una especie de sublevación contra la autoridad que tenía reprimido por aquel entonces al colectivo afroamericano. Basada en hechos reales, se muestra la subida del grupo de rap N.W.A. (Niggz Wit Attitudes), que serían los creadores del género gangsta rap, y su posterior caída en el mundo de la música. (tráiler)

Estrenada el 14 de Agosto, la película se ha convertido, en palabras de los críticos, en una de las más valoradas del año. Además, ha sido todo un éxito para sus productores, los mismos Ice Cube y Dr. Dre, pues con un presupuesto inicial de 28 millones de dólares, el film consiguió recaudar casi 200 millones de dólares en los cines de todo el mundo.

The Martian

Ha sido una de las sorpresas de este año y que ha conseguido un buen pellizco de la taquilla. Basada en la novela de Andy Weir, la premisa de todo el film es muy simple. Un astronauta que queda abandonado en Marte. El resto de la tripulación cree que ha fallecido y abandonan el lugar, asolado por una fuerte tormenta.

Cuando Watney despierta, se encuentra solo en el habitáculo de la misión y se enfrenta a un terrible problema. No puede contactar con la NASA, sus compañeros no tienen manera de regresar a por él y la próxima misión no llegará hasta dentro de 4 años. El habitáculo donde se encuentra solo tiene una esperanza de vida de unos 60 días. A partir de este momento, Watney tendrá que ir resolviendo los distintos problemas que van surgiendo. (tráiler)

Otro punto a favor, hemos de mencionarlo, es su increíble banda sonora. Aparte de contar con canciones de los 70-80 (la película explica el por qué de su inclusión) de Donna Summer,  David Bowie, Gloria Gaynor o Abba; el compositor Harry Gregson-Williams ha realizado piezas clásicas que encajan a la perfección.

La fotografía es espectacular. Los paisajes conseguidos en este film son increíbles, con Watney en la soledad, en un mundo que está bajo su dominio, un pirata que navega por el mar rojo. Williams consigue con su música que quedemos cautivados por estos hechos y estas reflexiones. Es una adaptación muy buena, con ese toque de humor que realiza Watney para quitarse de encima la sombra de la muerte, que se cierne siempre muy cerca de él. Es su mecanismo de defensa ante esta situación de supervivencia.

Selma

Película histórica que nos cuenta parte de la historia americana, cuando los afroamericanos no podían votar o tenían unas normas distintas a los demás. No estamos hablando de hace cien o doscientos años. Todo esto ocurrió en 1965, unos sucesos de los que nuestros padres y abuelos fueron testigos.

La película se centra en los hechos ocurridos el “Bloody Sunday”, que fue una marcha desde Selma a Montgomery, en señal de protesta por actos de racismo que habían ocurrido en la ciudad. (tráiler)

Todos estos hechos son relatados a través de un joven Martin Luther King, interpretado por David Oyelowo, donde también vemos su faceta más humana y frágil, alejada de ese líder inspirador para luchar contra la opresión que sufrían. Emotiva, real y que nos demuestra las injusticias que ocurrían en un pasado no tan lejano.

Bob Esponja: Un héroe fuera del agua

Segunda película basada en la famosa serie de Nickelodeon y que tiene como protagonista a Bob Esponja. En esta ocasión, la receta de la famosa Burger Cangreburger ha sido robada por un malvado pirata, por lo que se desata el caos en Fondo de Bikini y todo se vuelve de un tono postapocalíptico, por lo que Bob Esponja y sus amigos deberán hacer un viaje como nunca antes han hecho para tratar de recuperar la receta secreta. (tráiler)

Esta nueva película de Bob Esponja conserva ese humor típico que caracteriza la serie de televisión, sin olvidarse de escenas MUY delirantes, quizás algo más que en la serie,. Aporta algunos elementos nuevos, como el uso de la animación en 3D y la acción real, aunque en la serie Patchy el Pirata sea un actor, pero no interviene en la animación. Al contrario que Antonio Banderas, que aquí le ha tocado interpretar al villano, que no es que vaya a pasar a la historia como uno de los mejores villanos, pero de algún modo cumple.

Resumiendo, una película sin pretensiones que no decepcionará a los fans de la serie. Aunque en cierto modo se diga que Bob Esponja va orientado a un público más adulto, los peques disfrutarán viéndola tanto como el público adulto. Y lo que es mejor: En ningún momento tienes la sensación de estar viendo un capítulo largo.

El maestro del agua

Película dirigida y protagonizada por Russell Crowe y Olga Kurylenko. La trama se centra en Connor, un granjero australiana que se desplaza hasta la península turca de Galípoli para encontrar a sus hijos que supuestamente han fallecido en acto de servicio durante la Primera Guerra Mundial. (tráiler)

La historia está basada en hechos reales y ha sido galardonada por los premios AACTA como Mejor Película, Mejor Actor Secundario (Yilmaz Erdogan) y Mejor Diseño de Vestuario (Tess Schofield)

Hayao Miyazaki: Un repaso a su trayectoria

El 5 de enero de 1941 nacía Hayao Miyazaki, uno de los directores de animación más prestigiosos de la industria, y por ello, en nuestro blog hemos querido rendirle nuestro particular homenaje y hacer un repaso a su trayectoria. Además de dirigir, Hayao Miyazaki ha sido productor, ilustrador y dibujante de mangas, con una extensa carrera que ha durado cinco décadas.

Desde que era joven ya se mostraba interesado en dedicarse a la animación, influenciado por artistas como Tetsuji Fukushima, Soji Yamakawa y Osuma Tezuka, pero decidió coger su propio rumbo porque consideraba que sus primeros "trabajos" eran una copia.

En 1963, Hayao Miyazaki encontró su primer trabajo como Tweening para la compañía Toei Animation en un anime llamado Watchdog Bow Bow. Ya en 1968 desempeñó la función de jefe de animación en Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol, una película dirigida por Isao Takahata. En 1971, Miyazaki abandonó Toei Animation para trabajar en series de animación como Pippi Långstrump y Lupin III, donde colaboró como co-director y co-productor. En 1974 comenzó a trabajar en World Masterpiece Theater, donde se produjo Heidi, la adaptación de la novela de Johana Spyri, hasta que en 1975 cambió su nombre por Nippon Animation y Miyazaki dirigió la serie de animación Conan, el niño del futuro.

En 1979 dirigió su primer largometraje, El castillo de Cagliostro, basada en el manga y la serie de anime del famoso ladrón y maestro del disfraz Lupín III, que en esta ocasión y acompañado de sus amigos Jigen, un experto en armas, un samurái llamado Goemon y Fujiko, que parece tener una extraña relación de amor-odio con Lupin, se ve inmerso en la investigación de un misterioso tesoro del siglo XV (trailer).

El castillo de Cagliostro supuso un impulso para la carrera de Miyazaki y hoy en día está considerado como un clásico de la animación. Una película muy recomendable para pasar un rato muy divertido.

En 1984 se estrenó su segunda película, Nausicaä del Valle del Viento, que además está inspirada en una novela creada por él mismo que estaba compuesta por 7 volúmenes y se publicó entre 1982 y 1994 y se sitúa en un futuro postapocalíptico tras una guerra que ha devastado el planeta mientras que los supervivientes viven en poblados alejados de la contaminación. Todo parece ir "bien" hasta que el reino de Tolmekia, uno de los reinos más poderosos, planea resucitar a un dios de la guerra para acabar con la contaminación, pero Nausicaä, princesa del Valle del Viento, tratará de impedirlo (trailer).

Para crear Nausicaä del Valle del Viento, Miyazaki se inspiró en otras sagas de literatura fantástica, como Terramar, de Ursula K. Le Guin, Anochecer de Isaac Asimov y El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien. La película tiene un tono anti-belicista y promueve el respeto y la conservación de la naturaleza, algo que ha caracterizado las películas de Miyazaki.

Nausicaä del Valle del Viento tuvo un gran éxito y causó un gran impacto mediático y pese a que se estrenó antes de la fundación del Studio Ghibli, está considerada como parte de la filmografía porque de su éxito dependía la creación del famoso estudio de animación. La película fue realizada por diversos animadores, entre los que destaca Hideaki Anno, el creador de Neon Genesis Evangelion. Nausicaä del Valle del Viento ha sufrido diversas modificaciones desde su estreno, y posteriormente, Disney volvió a reeditar una versión sin modificar.

En la primera distribución, se recortaron 30 minutos de película alegando lentitud en la trama, por ello se perdió parte del fondo narrativo, lo que provocó la ira de los fans de la película. En su segunda distribución, la compañía de Mickey Mouse se encargó del doblaje en inglés, y contó con actores como Alison Lohman doblando a Nausicaä, Uma Thurman doblando a Lady Kushana, la líder del reino de Tolmekia, Patrick Stewart, Mark Hamill y Shia LaBeouf. La banda sonora de la película fue compuesta por Joe Hisaishi.

En 1985, Hayao Miyazaki e Isao Takahata fundaron el Studio Ghibli gracias al éxito de Nausicaä del Valle del Viento, y un año después se estrenó El castillo en el cielo, la primera película con el sello del estudio. La película trata sobre Sheeta, una chica que esconde el secreto para abrir la Fortaleza Celeste situada en una isla flotante creada por una raza desaparecida de la Tierra. Sheeta se verá perseguida cuando conoce a Pazu, un joven que la ayudará en su búsqueda de la fortaleza (trailer).

Al igual que Nausicaä del Valle del Viento, la película tuvo algunas modificaciones en su distribución. En el doblaje en español, tanto el título como el nombre de la isla fueron cambiados, ya que su nombre original, Laputa, fue cambiado por Lapuntu por razones obvias, a diferencia del nuevo doblaje que conserva el nombre original. Actores como Anna Paquin (True Blood), Mark Hamill, y Mandy Patinkin (La Princesa Prometida) forman parte del reparto de doblaje en la versión inglesa.

En 1988 se estrenó la cuarta película de Ghibli, y quizá una de sus películas más emblemáticas que protagonizan el logotipo del estudio: Mi vecino Totoro. La película nos presenta a Mei y a Satsuki, dos niñas que se mudan con su padre al campo, mientras su madre se recupera de tuberculosis en el hospital.Allí, Mei descubre a unos seres que sólo ella puede ver. Emocionada por estos pequeños seres, se decide a ir en busca del rey del bosque (trailer).

Mi vecino Totoro logró un gran éxito en Japón y está considerado como el equivalente a Winnie the Poo en occidente. La película se estrenó junto con La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, como si de las dos caras de una misma moneda se tratase. En 1993 se estrenó en Estados Unidos, y en 2005 fue distribuida por Disney, haciendo cambios en el doblaje en inglés, contando con actrices como Dakota y Elle Fanning. La película llegó a España en 2009, y ese mismo año se lanzó en DVD. Debido a su gran impacto cultural, la figura de Totoro ha aparecido en otras películas, como en Toy Story 3. En 2003 se estrenó el cortometraje Mei y el gatobús, que cuenta las aventuras de Mei y el descendiente del gatobús. Como curiosidad, circula por ahí una leyenda urbana sobre esta película que se explica muy bien en este artículo, pero mejor haber visto antes la película.

En 1989 se estrenó Nicky, la aprendiz de bruja, cuya protagonista, como manda la tradición, debe abandonar su casa al cumplir 13 años para convertirse en bruja y encontrar una ciudad en la que vivir durante al menos un año. Pero no estará sola, ya que la acompaña su gato Jiji. Con el tiempo, Nicky hará muchos amigos y aprenderá a conocerse a sí misma y de lo que es capaz (trailer).

Esta película supone una transición de la niñez hacia la madurez y fue una de las películas más taquilleras en el país nipón, además de ser la primera del estudio en ser conocida internacionalmente, ya que fue la primera distribuida por Disney. Pese a ello, en nuestro país se estrenó en 2003, y reestrenada en 2010. En la versión en inglés, Kirsten Dunst fue la encargada de doblar a la protagonista. En el año 2014 se estrenó una película de acción real.

En 1992, se estrenó la séptima película del estudio: Porco Rosso. La película nos sitúa en Italia en un periodo de entre-guerra, y el protagonista es un famoso piloto que cae en un extraño maleficio que le hace tener la apariencia de un cerdo. Alejado con todo lo que tenga que ver con la guerra, se convierte en un cazarrecompensas y se dedica a detener a las bandas de piratas, hasta que estos deciden contratatar a alguien para acabar con él (trailer).

Porco Rosso está basada en el manga The Age of the flying Boat, y originariamente iba a ser un cortometraje para emitirse en las Japan Airlines, pero al final quedó como un largometraje y se estrenó en cines, logrando ser número 1 en taquilla en su primer fin de semana. España fue el primer país occidental en el que se estrenó la película en 1994, En la versión en inglés fue Michael Keaton el encargado de doblar al protagonista, mientras que en Francia fue Jean Reno. Hace algún tiempo se habló de una posible secuela que llevaría por título Porco Rosso: The Last Sortie, pero no ha vuelto a hacerse ningún comentario, por lo que el proyecto quedó congelado.

En 1997 se estrenó otra de las películas más famosas del Studio Ghibli: La Princesa Mononoke. una película ambientada en la época medieval, donde se nos presenta a Ashitaka, un joven que cae presa de una maldición, y para salvarse, parte en busca del Espíritu del Bosque para que le libere. Por el camino descubrirá el enfrentamiento entre los humanos que quieren hacerse con los recursos de la naturaleza y las criaturas del bosque que tratan de defender su reino. Además conocerá a San, una joven que vive con los lobos (trailer).

Tras la experiencia en la edición de Nausicaä del Valle del Viento, se adoptó la política de "tolerancia cero" en cuanto a recortar metraje, La cosa llegó a tal extremo, que uno de los productores de Studio Ghibli mandó a Harvey Weinsten una katana auténtica con un mensaje: "Sin cortes". Sobre esta anécdota, Miyazaki únicamente comentó que fue su productor quien lo hizo. Pese a todo esto, La Princesa Mononoke tuvo un gran éxito en Japón y fue una fuente de inspiración para producciones de Disney como Fantasía 2000 y tuvo más éxito en taquilla que Titanic.

La siguiente película dirigida por Miyazaki fue El viaje de Chihiro en el año 2001, siendo la decimotercera película del estudio. Chihiro es una niña de 10 años que está de mudanza con sus padres. Es entonces cuando su padre decide tomar un atajo y acaban perdidos en una ciudad abandonada al atravesar un túnel. Sus padres acaban convertido en cerdos (véase la pasión por los cerdos de Miyazaki), y Chihiro se verá obligada a trabajar en unos baños termales mientras encuentra la forma de romper el hechizo. Allí se encontrará con espíritus y otros seres de fantasía (trailer).

El tema principal de la película puede decirse que se centra en un viaje que hace la protagonista a un mundo que se aleja de todo lo que ella conoce, y que está lleno de todo tipo de seres. No puede evitarse la comparación con Alicia en el País de las Maravillas, ya que ambas protagonistas atraviesan un cambio hacia la madurez.

El viaje de Chihiro tuvo un éxito mundial consiguiendo un total de treinta y cinco premios, entre los que se incluye un Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Ice Age, Lilo & Stitch, Spirit: El corcel indomable y El planeta del tesoro, siendo la primera película del estudio en lograr ese galardón. Entre su reparto de doblaje en nuestro idioma, destacan Jordi Boixaderas (la voz de Russel Crowe y Gerard Butler) y Pepe Mediavilla (La voz de Morgan Freeman).

En 2004 se estrenó El Castillo Ambulante, una película basada en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones. La historia se centra en Sophie, una joven que trabaja en un taller de sombreros cuando un día es víctima de una terrible maldición que la hace envejecer. En un mundo en guerra, Sophie emprenderá un viaje en busca del único que puede ayudarla: Howl, un mago que vive en un castillo ambulante (trailer).

Como toda adaptación de una novela, hay algunas diferencias, como en la personalidad de los protagonistas, en el caso de Howl, en la novela es alguien mujeriego y gusta de buscar rivales a los que enfrentarse, mientras que en la película, es reflejado como alguien que cuestiona los motivos que provocan las guerras, por lo tanto, uno de los temas de fondo de la película es el pacifismo.

Disney se encargó del doblaje en inglés, y se contó con actores como Emily Mortimer, Christian Bale, Lauren Bacall, Billy Crystal y Josh Hutcherson, mientras que en el doblaje en español, la voz que más nos suena es la de Iván Muelas, que también dobló a Fry en Futurama. El castillo ambulante fue nominada a los Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con La novia cadáver y Wallace y Gromit: la maldición de las verduras, siendo esta la ganadora.

En 2010 se estrenó una película con un tono más infantil que las anteriores: Ponyo en el acantilado, que es algo así como una versión de La Sirenita. El protagonista es un niño llamado Sousuke que un día se encuentra con una niña-pez a quién pone de nombre Ponyo, pero su padre, es un brujo que no acepta que su hija quiera vivir entre los humanos, pero Ponyo ha tomado una decisión y la seguirá aunque ello ponga el mundo patas arriba (trailer).

Hasta la fecha, Ponyo en el acantilado es de las películas que más distribución ha recibido y no hubo mucho tiempo de diferencia respecto a los estrenos en cines de todo el mundo. La película fue preseleccionada para los Óscar de 2009, pero no consiguió el apoyo suficiente para recibir la nominación.

Y llegando ya a la última película dirigida por Miyazaki, El viento se levanta se estrenó en 2013, y es un biopic que se basa en el ingeniero aeronáutico Jirō Horikoshi, diseñador del avión de combate Zero, responsable del bombardeo a Pearl Harbor. En la película se muestra a Jirō como un joven soñador que quiere por encima de todo dedicarse al diseño de los aviones. (trailer)

La película muestra con gran fidelidad otros acontecimientos importantes de la época, como el terremoto de Kanto de 1923, la Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El viento se levanta está basada en la novela El viento se alza de Tatsuo Hori, escrita entre 1936 y 1937. Como otras producciones de Ghibli, contiene un mensaje antibelicista, pero a su vez, muestra el sistema político de aquella época, hecho que causó una gran polémica por parte de los políticos, pero pese a todo ello, es una buena película de animación que cuida todos los detalles y diseños de los personajes, así como los escenarios. En la 86ª edición de los Oscar, El viento se levanta optó al galardon en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Frozen, Ernest & Célestine y Gru 2. Mi villano favorito, siendo Frozen la ganadora.

Tras esta última película, Miyazaki anunció su retirada del cine de animación, por lo que se le concedió en la gala de los Oscar en enero de 2015 un premio honorífico como reconocimiento a toda su carrera. Y en 2008, el compositor Joe Hisaishi, habitual colaborador en la mayoría de películas de Ghibli, dio un concierto conmemorativo donde se interpretaron algunas de sus bandas sonoras. Entre 2002 y 2006, Miyazaki dirigió varias películas para ser exhibidas exclusivamente en el Museo Ghibli: Koro's Big Day Out (2002), Looking for a Home (2006), Mon Mon the Water Spider (2006) y The Day I Harvested A Star (2006).