Películas para el Día Mundial de la Felicidad

Inside Out (Del revés)

Una de las últimas películas de Disney-Pixar y que se llevó el Oscar a Mejor Película de Animación. Aquí vemos las distintas emociones básicas, que en su día catalogó el psicólogo Paul Ekman, como dirigen nuestro cuerpo. Se centra en la vida de Riley, una niña que la vamos viendo crecer. Pero la protagonista no es ella, sino los sentimientos que 'tiene dentro de su cabeza'.

Alegría es la que dirige a las demás emociones e intenta que Tristeza no tenga tanta presencia. Cuando Tristeza toca el panel de mandos, Riley se pone triste. Cuando Alegría y Tristeza salen del Centro de Mandos por accidente, veremos que las demás emociones intentan solucionar los problemas de Riley a su manera. De mientras, Alegría y Tristeza se irán conociendo más, enlazando una amistad entre ellas.

La conclusión final es que Alegría se da cuenta de la importancia de Tristeza. Pese a ser una emoción negativa, es también necesaria para la madurez de Riley y para encontrar la felicidad. Porque a veces, cuando más Tristeza tenemos es cuando podemos ver un rayo de Alegría. Las dos emociones suponen como el 'Yin y el Yang' de la existencia. Son opuestas, pero deben existir para que aprendamos a valorar más las cosas en la vida. Cuando buscamos la felicidad, también nos encontramos con la tristeza y el dolor. Esto es lo que nos enseña Inside Out.

Invictus:

Con los actores Morgan Freeman y Matt Damon, y dirigida por Clint Eastwood, este film nos muestra parte de los hechos ocurridos en Sudáfrica durante los años 90. Con la abolición del sistema apartheid y el nombramiento de Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, el país se encuentra muy dividido.

Mandela sabe que debe unir al pueblo, dando igual el color de su piel. Para ello, usará la Copa Mundial de Rugby y al equipo de los "Springboks", con el objetivo de traer la felicidad a su nación. La dificultad es muy alta ante el odio y el medio que han sucumbido durante más de 50 años el país de Sudáfrica. El propio Mandela fue encarcelado por luchar contra ello.

Por eso mismo, sabe lo complicado que es dejar a un lado la venganza y busca, a través del deporte, unir a los suyos. La alegría a veces nos queda oculta tras el odio, y solo los que son capaces de perdonar pueden conseguir alcanzarla. Mandela supo ver de qué manera podía la gente dejar su odio a un lado y unirse como nación. 


Mejor... imposible

Mejor... imposible es una película protagonizada por Jack Nicholson (ganador del Oscar al Mejor actor), Helen Hunt (ganadora del Oscar a la Mejor actriz), y Greg Kinnear. Jack Nicholson interpreta a Melvin, un escritor con muchas manías, y es la última persona del planeta que te gustaría tener como vecino. Melvin es un hombre de fijas costumbres. Todos días acude a comer al mismo restaurante donde trabaja Carol (Helen Hunt). Y en su mismo edificio vive Simon (Greg Kinnear), un artista homosexual que tiene que sufrir diariamente su homofobia. Todo esto cambia el día en que Melvin debe hacerse cargo del perro de Simon, a pesar de que no le gustan los animales.

El principal elemento de la película es la enfermedad del personaje de Jack Nicholson. Padece un trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), una enfermedad que afecta sobretodo a la conducta. Algunos ejemplos de ello son por ejemplo la obsesión por la higiene o por el orden. Y son estas obsesiones las que dificultan a la persona que la padece alcanzar la felicidad.

Finalmente, el protagonista de esta película se da cuenta de que la felicidad no se encuentra aislándose uno mismo del resto del mundo. El ser humano es así, y siempre busca algún tipo de relación que sea satisfactoria, ya sea una amistad, una relación de pareja o una mascota, que en este caso es el perro de Simon, al que Melvin debe cuidar, y eso es algo que conseguirá ablandarle. Todo esto es narrado con un tono mordaz y muy divertido a la vez, llevado de una forma muy inteligente.


Amelie

Amélie es una chica de 22 años muy diferente a todas las demás. Ella, que ha visto como su adorado pez de colores desaparecía por la alcantarilla o a su padre dedicando toda su vida a un gnomo de jardín, descubre que sorprender a los que la rodean anónimamente es lo que realmente le hace feliz. 

Ese es su deseo a partir de ahora. Hacer felices a los demás. Entre ellos, Georgette, la estanquera hipocondríaca o ‘El Hombre De Cristal’, un vecino que sólo ve el mundo a través de un cuadro de Renoir. Lo único que Amélie no es capaz de hacer es buscar su propia felicidad y así mostrar sus sentimientos al hombre que ama. Nino, un chico tan diferente como ella, que trabaja en una atracción de feria y también en un sex shop. Pero el destino siempre es quien decide, y ella no va a ser la excepción.

Intocable

La vida de Phillippe cambió radicalmente cuando un accidente le dejó parapléjico. Driss es un joven pobre pero con unas inmensas ganas de vivir. Busca trabajo, justo ahora que acaba de salir de la cárcel. Phillippe contrata a Driss para que sea su asistente personal y la relación que entre ellos se crea consigue cambiar a ambos.

Para el primero, la vida vuelve a tener color y para el segundo, la vida vuelve a ser vida. Esa capacidad de superación incluso cuando crees que no puedes más y una increíble BSO han hecho de esta película una gran oda a la vida, haciendo a sus protagonistas, intocables.


Rocky Balboa

La saga de Rocky siempre ha sido conocida por ser inspiradora y estar plagada de referencias a la superación. Sin embargo, es en su sexta entrega donde podemos ver al retirado boxeador buscando su propia felicidad. Su vida ha cambiado mucho y ha perdido cosas de muchísimo valor. Pero quiere volver al ring, en un último combate para deshacerse del dolor que siente.

Con la edad que tiene y sus problemas de salud, vemos que le deniegan su licencia de boxeador. En un discurso motivador sobre la búsqueda de la felicidad, vemos a un Rocky Balboa dispuesto a sacrificarlo todo para encontrar su camino. Porque la felicidad a veces hay que buscarla. A veces hay que pelear por ella. No aparece por arte de magia. Porque el mundo no es todo alegría y color.

Big Fish

Esta película dirigida por Tim Burton se centra en la relación entre un padre y un hijo. Lo novedoso es que lo hace a través de las historias que ha contado el padre a lo largo de toda su vida, que parecen fascinar a todo el mundo excepto al hijo. Pero en el momento en el que la vida de su padre está a punto de terminar, el hijo se embarca en un viaje para descubrir qué hay de verdad en esos cuentos.

La mezcla entre realidad y fantasía es el hilo conductor de esta historia, que resulta ser un canto a la vida y al optimismo. Pese a las dificultades, el padre a lo largo de su vida no se rinde en ningún momento, y además consigue hacer mejor la vida de otros personajes que conoce. Su carácter es alegre, y parte de ese positivismo se ve reflejado en cómo cuenta las anécdotas de su vida. En cambio, su hijo tiene una visión más realista de los acontecimientos, y por esto sus personalidades chocan.

El tono optimista de la película al narrar los hechos contrasta con los temas tan duros que toca en algunos casos (como la enfermedad y la muerte), y el mensaje final es muy emotivo. La banda sonora de Danny Elfman refleja todos estos sentimientos, en un tono muy acorde al de la película.

Hayao Miyazaki: Un repaso a su trayectoria

El 5 de enero de 1941 nacía Hayao Miyazaki, uno de los directores de animación más prestigiosos de la industria, y por ello, en nuestro blog hemos querido rendirle nuestro particular homenaje y hacer un repaso a su trayectoria. Además de dirigir, Hayao Miyazaki ha sido productor, ilustrador y dibujante de mangas, con una extensa carrera que ha durado cinco décadas.

Desde que era joven ya se mostraba interesado en dedicarse a la animación, influenciado por artistas como Tetsuji Fukushima, Soji Yamakawa y Osuma Tezuka, pero decidió coger su propio rumbo porque consideraba que sus primeros "trabajos" eran una copia.

En 1963, Hayao Miyazaki encontró su primer trabajo como Tweening para la compañía Toei Animation en un anime llamado Watchdog Bow Bow. Ya en 1968 desempeñó la función de jefe de animación en Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol, una película dirigida por Isao Takahata. En 1971, Miyazaki abandonó Toei Animation para trabajar en series de animación como Pippi Långstrump y Lupin III, donde colaboró como co-director y co-productor. En 1974 comenzó a trabajar en World Masterpiece Theater, donde se produjo Heidi, la adaptación de la novela de Johana Spyri, hasta que en 1975 cambió su nombre por Nippon Animation y Miyazaki dirigió la serie de animación Conan, el niño del futuro.

En 1979 dirigió su primer largometraje, El castillo de Cagliostro, basada en el manga y la serie de anime del famoso ladrón y maestro del disfraz Lupín III, que en esta ocasión y acompañado de sus amigos Jigen, un experto en armas, un samurái llamado Goemon y Fujiko, que parece tener una extraña relación de amor-odio con Lupin, se ve inmerso en la investigación de un misterioso tesoro del siglo XV (trailer).

El castillo de Cagliostro supuso un impulso para la carrera de Miyazaki y hoy en día está considerado como un clásico de la animación. Una película muy recomendable para pasar un rato muy divertido.

En 1984 se estrenó su segunda película, Nausicaä del Valle del Viento, que además está inspirada en una novela creada por él mismo que estaba compuesta por 7 volúmenes y se publicó entre 1982 y 1994 y se sitúa en un futuro postapocalíptico tras una guerra que ha devastado el planeta mientras que los supervivientes viven en poblados alejados de la contaminación. Todo parece ir "bien" hasta que el reino de Tolmekia, uno de los reinos más poderosos, planea resucitar a un dios de la guerra para acabar con la contaminación, pero Nausicaä, princesa del Valle del Viento, tratará de impedirlo (trailer).

Para crear Nausicaä del Valle del Viento, Miyazaki se inspiró en otras sagas de literatura fantástica, como Terramar, de Ursula K. Le Guin, Anochecer de Isaac Asimov y El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien. La película tiene un tono anti-belicista y promueve el respeto y la conservación de la naturaleza, algo que ha caracterizado las películas de Miyazaki.

Nausicaä del Valle del Viento tuvo un gran éxito y causó un gran impacto mediático y pese a que se estrenó antes de la fundación del Studio Ghibli, está considerada como parte de la filmografía porque de su éxito dependía la creación del famoso estudio de animación. La película fue realizada por diversos animadores, entre los que destaca Hideaki Anno, el creador de Neon Genesis Evangelion. Nausicaä del Valle del Viento ha sufrido diversas modificaciones desde su estreno, y posteriormente, Disney volvió a reeditar una versión sin modificar.

En la primera distribución, se recortaron 30 minutos de película alegando lentitud en la trama, por ello se perdió parte del fondo narrativo, lo que provocó la ira de los fans de la película. En su segunda distribución, la compañía de Mickey Mouse se encargó del doblaje en inglés, y contó con actores como Alison Lohman doblando a Nausicaä, Uma Thurman doblando a Lady Kushana, la líder del reino de Tolmekia, Patrick Stewart, Mark Hamill y Shia LaBeouf. La banda sonora de la película fue compuesta por Joe Hisaishi.

En 1985, Hayao Miyazaki e Isao Takahata fundaron el Studio Ghibli gracias al éxito de Nausicaä del Valle del Viento, y un año después se estrenó El castillo en el cielo, la primera película con el sello del estudio. La película trata sobre Sheeta, una chica que esconde el secreto para abrir la Fortaleza Celeste situada en una isla flotante creada por una raza desaparecida de la Tierra. Sheeta se verá perseguida cuando conoce a Pazu, un joven que la ayudará en su búsqueda de la fortaleza (trailer).

Al igual que Nausicaä del Valle del Viento, la película tuvo algunas modificaciones en su distribución. En el doblaje en español, tanto el título como el nombre de la isla fueron cambiados, ya que su nombre original, Laputa, fue cambiado por Lapuntu por razones obvias, a diferencia del nuevo doblaje que conserva el nombre original. Actores como Anna Paquin (True Blood), Mark Hamill, y Mandy Patinkin (La Princesa Prometida) forman parte del reparto de doblaje en la versión inglesa.

En 1988 se estrenó la cuarta película de Ghibli, y quizá una de sus películas más emblemáticas que protagonizan el logotipo del estudio: Mi vecino Totoro. La película nos presenta a Mei y a Satsuki, dos niñas que se mudan con su padre al campo, mientras su madre se recupera de tuberculosis en el hospital.Allí, Mei descubre a unos seres que sólo ella puede ver. Emocionada por estos pequeños seres, se decide a ir en busca del rey del bosque (trailer).

Mi vecino Totoro logró un gran éxito en Japón y está considerado como el equivalente a Winnie the Poo en occidente. La película se estrenó junto con La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, como si de las dos caras de una misma moneda se tratase. En 1993 se estrenó en Estados Unidos, y en 2005 fue distribuida por Disney, haciendo cambios en el doblaje en inglés, contando con actrices como Dakota y Elle Fanning. La película llegó a España en 2009, y ese mismo año se lanzó en DVD. Debido a su gran impacto cultural, la figura de Totoro ha aparecido en otras películas, como en Toy Story 3. En 2003 se estrenó el cortometraje Mei y el gatobús, que cuenta las aventuras de Mei y el descendiente del gatobús. Como curiosidad, circula por ahí una leyenda urbana sobre esta película que se explica muy bien en este artículo, pero mejor haber visto antes la película.

En 1989 se estrenó Nicky, la aprendiz de bruja, cuya protagonista, como manda la tradición, debe abandonar su casa al cumplir 13 años para convertirse en bruja y encontrar una ciudad en la que vivir durante al menos un año. Pero no estará sola, ya que la acompaña su gato Jiji. Con el tiempo, Nicky hará muchos amigos y aprenderá a conocerse a sí misma y de lo que es capaz (trailer).

Esta película supone una transición de la niñez hacia la madurez y fue una de las películas más taquilleras en el país nipón, además de ser la primera del estudio en ser conocida internacionalmente, ya que fue la primera distribuida por Disney. Pese a ello, en nuestro país se estrenó en 2003, y reestrenada en 2010. En la versión en inglés, Kirsten Dunst fue la encargada de doblar a la protagonista. En el año 2014 se estrenó una película de acción real.

En 1992, se estrenó la séptima película del estudio: Porco Rosso. La película nos sitúa en Italia en un periodo de entre-guerra, y el protagonista es un famoso piloto que cae en un extraño maleficio que le hace tener la apariencia de un cerdo. Alejado con todo lo que tenga que ver con la guerra, se convierte en un cazarrecompensas y se dedica a detener a las bandas de piratas, hasta que estos deciden contratatar a alguien para acabar con él (trailer).

Porco Rosso está basada en el manga The Age of the flying Boat, y originariamente iba a ser un cortometraje para emitirse en las Japan Airlines, pero al final quedó como un largometraje y se estrenó en cines, logrando ser número 1 en taquilla en su primer fin de semana. España fue el primer país occidental en el que se estrenó la película en 1994, En la versión en inglés fue Michael Keaton el encargado de doblar al protagonista, mientras que en Francia fue Jean Reno. Hace algún tiempo se habló de una posible secuela que llevaría por título Porco Rosso: The Last Sortie, pero no ha vuelto a hacerse ningún comentario, por lo que el proyecto quedó congelado.

En 1997 se estrenó otra de las películas más famosas del Studio Ghibli: La Princesa Mononoke. una película ambientada en la época medieval, donde se nos presenta a Ashitaka, un joven que cae presa de una maldición, y para salvarse, parte en busca del Espíritu del Bosque para que le libere. Por el camino descubrirá el enfrentamiento entre los humanos que quieren hacerse con los recursos de la naturaleza y las criaturas del bosque que tratan de defender su reino. Además conocerá a San, una joven que vive con los lobos (trailer).

Tras la experiencia en la edición de Nausicaä del Valle del Viento, se adoptó la política de "tolerancia cero" en cuanto a recortar metraje, La cosa llegó a tal extremo, que uno de los productores de Studio Ghibli mandó a Harvey Weinsten una katana auténtica con un mensaje: "Sin cortes". Sobre esta anécdota, Miyazaki únicamente comentó que fue su productor quien lo hizo. Pese a todo esto, La Princesa Mononoke tuvo un gran éxito en Japón y fue una fuente de inspiración para producciones de Disney como Fantasía 2000 y tuvo más éxito en taquilla que Titanic.

La siguiente película dirigida por Miyazaki fue El viaje de Chihiro en el año 2001, siendo la decimotercera película del estudio. Chihiro es una niña de 10 años que está de mudanza con sus padres. Es entonces cuando su padre decide tomar un atajo y acaban perdidos en una ciudad abandonada al atravesar un túnel. Sus padres acaban convertido en cerdos (véase la pasión por los cerdos de Miyazaki), y Chihiro se verá obligada a trabajar en unos baños termales mientras encuentra la forma de romper el hechizo. Allí se encontrará con espíritus y otros seres de fantasía (trailer).

El tema principal de la película puede decirse que se centra en un viaje que hace la protagonista a un mundo que se aleja de todo lo que ella conoce, y que está lleno de todo tipo de seres. No puede evitarse la comparación con Alicia en el País de las Maravillas, ya que ambas protagonistas atraviesan un cambio hacia la madurez.

El viaje de Chihiro tuvo un éxito mundial consiguiendo un total de treinta y cinco premios, entre los que se incluye un Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Ice Age, Lilo & Stitch, Spirit: El corcel indomable y El planeta del tesoro, siendo la primera película del estudio en lograr ese galardón. Entre su reparto de doblaje en nuestro idioma, destacan Jordi Boixaderas (la voz de Russel Crowe y Gerard Butler) y Pepe Mediavilla (La voz de Morgan Freeman).

En 2004 se estrenó El Castillo Ambulante, una película basada en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones. La historia se centra en Sophie, una joven que trabaja en un taller de sombreros cuando un día es víctima de una terrible maldición que la hace envejecer. En un mundo en guerra, Sophie emprenderá un viaje en busca del único que puede ayudarla: Howl, un mago que vive en un castillo ambulante (trailer).

Como toda adaptación de una novela, hay algunas diferencias, como en la personalidad de los protagonistas, en el caso de Howl, en la novela es alguien mujeriego y gusta de buscar rivales a los que enfrentarse, mientras que en la película, es reflejado como alguien que cuestiona los motivos que provocan las guerras, por lo tanto, uno de los temas de fondo de la película es el pacifismo.

Disney se encargó del doblaje en inglés, y se contó con actores como Emily Mortimer, Christian Bale, Lauren Bacall, Billy Crystal y Josh Hutcherson, mientras que en el doblaje en español, la voz que más nos suena es la de Iván Muelas, que también dobló a Fry en Futurama. El castillo ambulante fue nominada a los Oscar en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con La novia cadáver y Wallace y Gromit: la maldición de las verduras, siendo esta la ganadora.

En 2010 se estrenó una película con un tono más infantil que las anteriores: Ponyo en el acantilado, que es algo así como una versión de La Sirenita. El protagonista es un niño llamado Sousuke que un día se encuentra con una niña-pez a quién pone de nombre Ponyo, pero su padre, es un brujo que no acepta que su hija quiera vivir entre los humanos, pero Ponyo ha tomado una decisión y la seguirá aunque ello ponga el mundo patas arriba (trailer).

Hasta la fecha, Ponyo en el acantilado es de las películas que más distribución ha recibido y no hubo mucho tiempo de diferencia respecto a los estrenos en cines de todo el mundo. La película fue preseleccionada para los Óscar de 2009, pero no consiguió el apoyo suficiente para recibir la nominación.

Y llegando ya a la última película dirigida por Miyazaki, El viento se levanta se estrenó en 2013, y es un biopic que se basa en el ingeniero aeronáutico Jirō Horikoshi, diseñador del avión de combate Zero, responsable del bombardeo a Pearl Harbor. En la película se muestra a Jirō como un joven soñador que quiere por encima de todo dedicarse al diseño de los aviones. (trailer)

La película muestra con gran fidelidad otros acontecimientos importantes de la época, como el terremoto de Kanto de 1923, la Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. El viento se levanta está basada en la novela El viento se alza de Tatsuo Hori, escrita entre 1936 y 1937. Como otras producciones de Ghibli, contiene un mensaje antibelicista, pero a su vez, muestra el sistema político de aquella época, hecho que causó una gran polémica por parte de los políticos, pero pese a todo ello, es una buena película de animación que cuida todos los detalles y diseños de los personajes, así como los escenarios. En la 86ª edición de los Oscar, El viento se levanta optó al galardon en la categoría de mejor película de animación, compitiendo con Frozen, Ernest & Célestine y Gru 2. Mi villano favorito, siendo Frozen la ganadora.

Tras esta última película, Miyazaki anunció su retirada del cine de animación, por lo que se le concedió en la gala de los Oscar en enero de 2015 un premio honorífico como reconocimiento a toda su carrera. Y en 2008, el compositor Joe Hisaishi, habitual colaborador en la mayoría de películas de Ghibli, dio un concierto conmemorativo donde se interpretaron algunas de sus bandas sonoras. Entre 2002 y 2006, Miyazaki dirigió varias películas para ser exhibidas exclusivamente en el Museo Ghibli: Koro's Big Day Out (2002), Looking for a Home (2006), Mon Mon the Water Spider (2006) y The Day I Harvested A Star (2006).

Películas para ver estas navidades.

Ya estamos bien entraditos en las navidades, y las cadenas de televisión nos bombardean a películas navideñas. Pues nosotros no vamos a ser menos, y para que podáis disfrutar en estas fiestas, os hemos preparado una lista de películas para que disfrutéis de las navidades.

Cuento de Navidad es una película de animación del año 2009 y una de las muchas adaptaciones que se han hecho de la novela escrita por Charles Dickens en 1843. Cuenta la historia de Ebenezer Scrooge, un viejo cascarrabias que trata con desprecio y de mala gana a su fiel empleado Bob Cratchit y a su alegre sobrino Fred.
Pero cuando los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras se le aparecen, su vida dará un giro de 360 grados y descubrirá que debe cambiar de actitud para poder reparar tantos años de avaricia, así como re-descubrir el verdadero significado de la Navidad. (tráiler)

La película está dirigida por Robert Zemeckis, y protagonizada por Jim Carrey, quien carga con casi todo el peso de la película, ya que presta su voz al protagonista en todas las etapas de su vida, así como de los tres espíritus que le visitan, pero en la versión en castellano, el actor de doblaje más conocido es el habitual de Jim Carrey, Luís Posada. Gary Oldman dobla a Bob Cratchit, así como al narrador de la historia. También prestan su voz a la película Colin Firth, Bob Hoskins y Cary Elwes.

La música está compuesta por Alan Silvestri, quien ha trabajado en otras bandas sonoras reconocidas como Regreso al futuro, Forrest Gump, Los Vengadores y Polar Express. Y cabe destacar la colaboración del cantante Andrea Bocceli y su interpretación de God Bless Us Everyone, tanto en inglés como en español. Pero no podemos dejarnos el tema principal de la banda sonora.

¡Vaya Santa Claus! es la típica película que suelen poner todos los años en Nochebuena. Tim Allen es Scott, un padre divorciado que está enfadado con el mundo y que apenas cree en Santa Claus, hasta que una noche oye un ruido en el tejado y sale a averiguar de qué se trata. Allí descubre a un individuo vestido de Santa Claus que termina cayendo del tejado, y al ponerse Scott su abrigo, se verá obligado a ocupar su lugar con todo lo que ello conlleva: engordar y tener barba. (trailer)

Puede que ¡Vaya Santa Claus! no sea una de las mejores películas navideñas, pero es un film recomendable para ver en familia, sobretodo si en casa hay peques, ya que ellos la disfrutarán más. No deja de ser una historia emotiva con ese toque de humor característico de Tim Allen (que ha trabajado en más de una película navideña). Es una película que, pese a los años, se puede disfrutar una y otra vez sin importar las veces que la hayas visto.

¡Socorro, ya es Navidad! es una comedia de finales de los 80 protagonizada por el actor cómico Chevy Chase, y es una secuela de la saga iniciada en 1983 con Las vacaciones de una chiflada familia americana. En esta ocasión, Clark Griswold, llevado por el espíritu navideño, planea dar una sorpresa a  su familia con una gran fiesta de Navidad. Pero una vez más, la suerte no le acompaña... ya que se desencadenarán una serie de divertidos acontecimientos que mandarán al traste los planes de Clark. (trailer)

Tercera entrega de las aventuras de la familia Griswold, que esta vez pasarán las vacaciones en casa, pero eso no les va a librar de la hecatombe. La película no busca otra cosa que no sea entretener al público con situaciones inverosímiles y delirantes en esta comedia típica de los 80, y que cuenta en su reparto con actores conocidos como Juliette Lewis, Johnny Galecki (Leonard en The Big Bang Theory) y Randy Quaid.

No tan típica es Tokyo Godfathers, una película de animación japonesa del año 2003, dirigida por Satoshi Kon (Perfect Blue), y cuenta la historia de tres vagabundos, Gin, Hana y Miyuki, que, una noche encuentran un bebé abandonado entre un montón de basura. Entonces se enzarzan en una discusión sobre si deben entregarlo a la policía o quedarse con él. Es entonces cuando deciden buscar a la familia del bebé. (trailer)

Es una entrañable historia de como tres personas tan diferentes y con sus historias personales (un transexual, un bebedor compulsivo y una chica que ha huido de casa), consiguen conectar de la forma que se ve en la película, y todos ellos deberán aprender a reconciliarse con su pasado. La película combina a la perfección escenas de comedia y drama sin llegar a caer en el sentimentalismo. Toda una joya de la animación que en 2003 ganó un premio en el Festival de Sitges en la categoría de Mejor largometraje de animación.

Vamos ahora con todo un clásico navideño: Solo en casa. Los McAllister son una familia muy numerosa que se prepara para pasar las navidades en París, pero accidentalmente olvidan a su hijo pequeño, Kevin, y este se queda solo en casa. Al final no le quedará más remedio que aprender a vivir solo y defender su casa de dos ladrones que planean entrar a robar. (trailer)

Solo en casa es una película dirigida por Chris Columbus, y fue una de las películas más exitosas de los años 90, una película para toda la familia, con momentos muy divertidos a la par que emotivos, con una banda sonora inolvidable compuesta por el genial John Williams, siendo uno de los temas más destacados la canción Somewhere in My Memory.

En 1992 se estrenó su secuela, Solo en casa 2: perdido en Nueva York, que sigue más o menos el mismo patrón de la primera pero traslada la acción a la Gran Manzana. Lo bueno es que en esta secuela volvemos a ver a Harry y a Marv (Joe Pesci y Daniel Stern). Menos éxito, por no decir ninguno, tuvo Solo en casa 3, estrenada en 1997 y que no tenía nada que ver con las dos anteriores. Ya en 2002 se estrenó Solo en casa 4, una película para televisión que tenía como protagonistas a los mismos personajes que en primera, pero con otros actores, y la verdad es que no fue mucho mejor que Solo en casa 3. Y diez años después se estrenó la "quinta entrega", Solo en casa 5. Es lo más normal del mundo que estas "tres secuelas" hayan caído en el olvido, porque no son más que meros subproductos.

¿Cuál es la peor pesadilla para un padre cuando llegan las navidades? Normalmente, todos los años siempre hay un juguete que se pone de moda y todos los niños lo piden para Navidad. Esto conlleva que muchos padres (y los no padres), se vuelvan loco buscándolos. A este problema debe enfrentarse Arnold Schwarzenegger en Un padre en apuros, que interpreta a un hombre de negocios que siempre está hasta arriba de trabajo y descuida a su familia. Para compensarlo, le promete a su hijo que le regalará el juguete de moda: el muñeco Turboman. Pero cuando va a comprarlo, descubre que está agotado, y emprenderá una loca carrera con tal de conseguirlo. (trailer)

Completan el reparto Jake Lloyd (antes de ser Anakin Skywalker), como el hijo de Schwarzenegger, y el humorista Sinbad, como el rival en la película. También hacen un cameo James Belushi y Martin Mull, el director del instituto en Sabrina, cosas de brujas. Un padre en apuros es otra película para ver en familia cuyo único fin es entretener. Algunos conservamos los recuerdos de haber visto esta película en el cine, cuando entonces se podía ir con toda la familia. Por eso, pese a que no sea la película del año, se vuelve a visionar con cierta nostalgia.

Love Actually es una comedia romántica de nacionalidad británica. La peculiaridad de esta película es su formato, ya que en ella se narran varias historias cruzadas con personajes muy variopintos: el primer ministro británico (Hugh Grant), una vieja estrella del rock (Bill Nighy), un escritor (Colin Firth) que se enamora de su asistenta de origen portugués o un actor porno (Martin Freeman) que se enamora de su "compañera" de rodaje. (trailer)

Estas son algunas de las historias que nos cuentan en Love Actually, pero el tema central de la película es mostrarnos que el amor está en todas partes, con sus más y sus menos. La película está llena de rostros conocidos: Liam Neeson, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Chiwetel Ejiofor, Andrew Lincoln, Thomas Brodie-Sangster, Billy Bob Thornton, incluso Rowan Atkinson tiene una pequeña aparición. Esto sin duda es lo mejor que tiene Love Actually, la variedad de personajes y el hecho de que no sea una película romántica convencional que nos ha dejado una de las escenas más memorables. Su tono humorístico es muy característico de Richard Curtis en su debut como director, además trabajó como guionista en Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill.

Repasando 'Star Wars: Las Guerras Clon'

En el año 2003, antes de Star Wars: The Clone Wars, y Star Wars Rebels, se estrenó otra serie animada: Star Wars: Las Guerras Clon. La serie transcurre en los años entre El ataque de los clones y La venganza de los Sith, en el conflicto de las Guerras Clon, que enfrentaba a las fuerzas de la República y a los separatistas.
Sin duda un punto a favor, porque es interesante para los fans saber cómo transcurrieron las guerras Clon, a parte de lo que vemos en las películas de la nueva trilogía.

Fue creada por Genndy Tartakovsky (El Laboratorio de Dexter, Samurai Jack), con la colaboración de George Lucas. La serie fue producida para emitirse en la conocida cadena juvenil Cartoon Network, que dejó de emitir en 2013. Se emitía dentro del bloque Toonami, que emitía otras series como Dragon Ball, Transformers. o Los Jóvenes Titanes, y tenía un par de anuncios bastante buenos. En uno de ellos sonaba Butterflies & Hurricanes, del grupo británico Muse, mientras que en el otro sonaba música de Haendel.

«Como fuego en la galaxia, se propagan las Guerras Clon. Aliados con el malvado Conde Dooku, más y más planetas se unen. 

Para una amenaza como ésta, en los Caballeros Jedi el peso recae del recién armado EJÉRCITO DE LA REPÚBLICA. 

Y mientras la batalla se recrudece, aumenta también la destreza del estudiante de la Fuerza más dotado....». 

―Voz en off del Maestro Yoda.

Así arranca Star Wars: Las Guerras Clon, que está compuesta por 25 episodios divididos en tres temporadas, de 2003 a 2005), y la peculiaridad de estos era su corta duración. Los 20 episodios correspondientes a las dos primeras temporadas y que forman el volumen I, duraban unos tres minutos aproximadamente, mientras que los 5 episodios restantes que corresponden a la tercera temporada y al volumen II, eran algo más longevos, entre doce y quince minutos.

En las dos primeras temporadas, sólo vemos secuencias de batalla protagonizadas por el ejército clon y el ejército droide, y además, vemos por primera vez a la villana Asajj Ventress, que es enviada por el Conde Dooku para acabar con Anakin Skywalker, y ambos se enfrentan en un feroz duelo de espadas láser en el Templo Massassi, situado en el planeta Yavin IV, donde también tendría lugar la batalla de Yavin en el episodio IV. Sobre Asajj Ventress, cuando se estaban escribiendo los guiones de la segunda trilogía, se plantearon que el villano en El ataque de los clones fuese una mujer, pero finalmente hubo un cambio de planes y el elegido fue el Conde Dooku (Christopher Lee). Aun así, este personaje fue creado y elegido para esta serie y para The Clone Wars.

Anakin Skywalker contra Asajj Ventress.

También se nos presentan a otros villanos que no hemos visto en la saga de películas, como Durge, un cazarrecompensas que lucha en el bando de los separatistas y que es capaz de sobrevivir a las situaciones más peligrosas gracias a su armadura de combate y su propio organismo, quién en uno de los episodios debe enfrentarse a Obi-Wan Kenobi. También se centra en las andanzas de Anakin Skywalker como parte de su adiestramiento Jedi. 

Otros personajes que en las películas son más secundarios, cuentan con episodios protagonizados por ellos mismos, como los Caballeros Jedi Ki-Adi Mundi, Shaak Ti o Aayla Secura, que se ven en la situación de enfrentarse al General Grievous. Sin embargo, hay otros personajes como Ashoka Tano a los que no vemos y que aparecieron en la serie de animación CGI. Otros personajes principales como Mace Windu, Padmé Amidala y el Maestro Yoda también tienen sus episodios en solitario. Una curiosidad sobre uno de los personajes que aparecen en la serie es sobre un Jedi llamado Sha'Gi, guarda cierto parecido con Shaggy, el popular personaje amigo de Scooby Doo, tanto en su aspecto como en el nombre.

Obi-Wan enfrentándose a Durge.

La tercera temporada que abarca los cinco últimos episodios de la serie, se centra en las aventuras de Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker en diferentes planetas, lo que ayuda a Anakin a progresar en su entrenamiento. Es aquí donde vemos la ceremonia de nombramiento como Caballero Jedi de Anakin, algo que nunca se ha mostrado en las películas. Mientras tanto, los separatistas planean la distracción de atacar la capital de la República para conseguir secuestrar a su líder, el Canciller Palpatine. La serie finalizó el 25 de marzo de 2005, y su final conecta con los hechos que desencadenaron los acontecimientos de La Venganza de los Sith.

Esta tercera temporada guarda relación con El laberinto del mal, una novela escrita por James Luceno, que sirve como prólogo para el episodio III, pero hay algunas diferencias entre ambas obras. La diferencia más notable es cuando el maestro Windu lucha junto a Yoda contra una clase de droides de combate, mientras que en la serie, Mace Windo se enfrenta al general Grievous en un tren.

Hablando de la animación, es muy similar a la de El Laboratorio de Dexter. Genndy Tartakovsky, además de crear la serie, se encarga del diseño de los personajes, al igual que George Lucas, que también ejerce como productor y director. Además, también hace su aporte Rick McCallum, quien trabajó como productor en la trilogía original.

Padmé Amidala, Mace Windu y Yoda.

Sobre el doblaje, la mayoría de actores han trabajado en la trilogía de precuelas, como una de las más reconocidas en materia de doblaje, Nuria Trifol, que ha hecho muchos trabajos en animación, aquí dobla a Padmé Amidala, mientras que a Anakin Skywalker le dobla Óscar Muñoz en su versión adulta. A Obi-Wan Kenobi le pone su voz Raúl Llorens, la voz de Orlando Bloom y Chris Evans, en sustitución del habitual de Ewan McGregor, Daniel García. Al maestro Yoda le dobla el mismo actor que en las películas: Ricardo Palmerola. Al Canciller Palpatine le dobla Jordi Dauder, fallecido en 2011, y Salvador Vidal hace una pequeña aportación doblando a Qui-Gon Jinn en una  secuencia de la serie que tiene lugar en el planeta Dagobah, donde vemos a Yoda en los episodios V y VI. Y finalmente, al Conde Dooku le dobla Jaume Comas, que tiene una voz más grave que el actor que dobla a Christopher Lee en las películas, Joaquín Díaz.

En resumen, pese a lo poco que duran los episodios, es una serie muy recomendable, por la calidad de la animación tanto por lo bien que cuenta los hechos que tuvieron lugar entre los episodios II y III y lo bien que enlaza con La venganza de los Sith. La serie tuvo muy buena acogida por parte del público, y además ganó un Premio Emmy en la categoría de Mejor Programa Animado en 2005. 

Despellejando 'Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer'

Ya habréis podido comprobar que nos encanta despellejar películas que no nos han gustado demasiado. Ahora le toca a Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer. La película se desarrolla tras los acontecimientos de Dragon Ball Z: La batalla de los dioses, y en esta nueva producción, que resulta ser la decimonovena película basada en la serie de televisión y los cómics de Akira Toriyama. Esta vez, un grupo de soldados del ejército de Freezer, uno de los villanos más emblemáticos de Dragon Ball, llega a la Tierra para resucitar a su líder por medio de las Bolas de Dragón, para conquistar el planeta y de paso vengarse de Goku y compañía. (trailer).

Habiendo visto La batalla de los dioses, uno va sobre aviso de de que la película puede no ser muy buena, pero un fan de Dragon Ball siempre espera ver material nuevo, aunque para que luego resulte un fiasco, mejor no hacer nada. La anterior película si bien fue esperada por muchos y causó mucha expectación, en cierto modo no cumplió con lo que prometía, debido en parte a la poca seriedad del argumento y con lo mal que han sido tratados algunos personajes, pero esto es algo que ya ha pasado con anterioridad con Yamcha, que pasó de ser uno de los mejores personajes a ser un segundón. Y por otro lado se puede observar la calidad de la animación, que a parte de que no está a la altura de la serie, se combina con animación 3-D chapucera.

Pero hablando ya de Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer, honestamente, sigue los pasos de su predecesora. Estas dos nuevas películas van en relación con la nueva serie de Dragon Ball que ha empezado a emitirse este mismo año Dragon Ball Super, por lo tanto van en la misma línea. La serie no es de buen gusto para los fans, todo hay que decirlo. Pero hablando de los personajes, hay varios que no llegan a aparecer en la película, pero sí en la nueva serie, como Trunks, Son Goten y Yamcha a los que se menciona brevemente. Aunque por lo menos Trunks si que tiene una parte importante en la trama, ya que Freezer quería vengarse tanto de Goku como de Trunks (que en la película se supone que aún es un niño, pero es al Trunks del futuro al que se hacen referencias en la película, así como a la destrucción del planeta Vegeta. Pero al menos otros personajes están más presentes como Gohan, Piccolo, Krilin, Ten Shin Han y el maestro Mutenroshi.

En esta película vemos nuevas transformaciones tanto de Goku y Vegeta como de Freezer, pero no terminan de funcionar del todo. Por lo visto, la nueva transformación de Goku en La Batalla de los dioses no impresionó demasiado a los fans, y en esta secuela quisieron darle una apariencia que recordase a la primera fase de Super Saiyan, así que decidieron darle el mismo aspecto pero con el pelo azul. Pero no se explica en la película cómo ha llegado a alcanzar esa forma, a diferencia de la anterior película, donde todos los guerreros unieron sus fuerzas para lograr que Goku se transformase en Super Saiyan Dios. Y luego criticaron la apariencia del Super Saiyan 4.

Lo mismo se puede decir de Vegeta, que también se vuelve con el pelo azul, pese a que en la película dicen que siempre va un paso por detrás de Goku. Y de Freezer en su forma final, que es exactamente igual que la de la serie al que simplemente le han cambiado el color y le han puesto un elegante color dorado y lo llaman Golden Freezer. También hay algunos errores respecto a la descompensación en la fuerza de algunos personajes como Son Gohan o Piccolo a la hora de enfrentarse al ejército de Freezer. Vale que Son Gohan dejase de lado los entrenamientos y se volviera más débil, pero se supone que Piccolo es uno de los más poderosos y se lo ventilan como si nada. Otro error es la música que no pega ni con cola.

Hablando del doblaje, al menos no han cambiado a los actores. A Goku le dobla José Antonio Gavira, quien sustituyó a Adolfo Martínez, mientras que a Son Gohan le pone su voz Alejandro Albaiceta, quien también ha doblado a otros personajes como Goku en Dragon Ball GT, Broly, Tapion, incluso a Vegeta, hasta que fue sustituido por Alberto Hidalgo. Mientras que a Freezer le dobla el mismo actor de la serie, Ángel Corpa. Además, también puso su voz a Nappa. A Ten Shin Han le dobla Daniel Palacios. Mariano Peña vuelve a doblar al maestro Mutenroshi, mientras que Ángeles Neira vuelve a poner su voz a Krilín. Y a Bulma, Nonia de la Gala, actriz que la ha doblado en todas las series de Dragon Ball.

Como apunte final, la idea de resucitar a Freezer era buena, porque muchos nos preguntábamos cómo sería su venganza, pero sinceramente, esa idea no está muy bien aprovechada. Y para rematar, termina de la peor manera posible, como muy de golpe. Si, no te esperas ese giro, peo aun así no queda bien, por mucho que tanto Bills como Wiss dicen que no pueden intervenir en el combate.

Recordando anteriores películas, hay una que trataba sobre algo parecido, la sexta película titulada La Súper Batalla (1990), en la que unos soldados renegados del ejército de Freezer, entre los que se encuentra Tarles, que podría ser la "versión malvada" de Son Goku, llegan a la Tierra para acabar con toda la vida del planeta. Esta es una de las mejores películas de Dragon Ball junto a otras como la decimosexta Dragon Ball Z: El ataque del dragón (1995), o Dragon Ball Z: Un futuro diferente (1993).

Películas que (tal vez) no sabías que estaban basadas en cómics

Cuando hablamos de una adaptación cinematográfica basada en un cómic o novela gráfica, en seguida pensamos en películas de superhéroes como se ha ido haciendo últimamente, explotando los universos de Marvel o DC, con personajes emblemáticos como Batman o Superman, sin embargo, hay otras historietas menos conocidas y que a veces desconocemos que pueden estar basadas en cómics y que no necesariamente son de la temática de superhéroes. Aquí os mostramos algunos ejemplos.

Comenzando por una de las más recientes, Big Hero 6 es una de las películas más exitosas de los últimos años. La trama transcurre en la ciudad de San Fransokyo, donde vive el protagonista, Hiro Hamada, un niño prodigio de 14 años al que sólo le interesan los combates de robots, hasta que su hermano Tadashi le muestra a Baymax, un robot médico con aspecto achuchable. Es entonces cuando se interesa por crear un invento revolucionario, pero las cosas salen mal y el invento cae en malas manos. Es entonces cuando Hiro forma un grupo de jóvenes brillantes, que, junto con Baymax, se transforman en un grupo de superhéroes que usan la tecnología para luchar contra el mal. Big Hero 6 ha logrado varios premios en diferentes categorías. (tráiler)

Pero volviendo al asunto que nos ocupa, Big Hero 6 está basada en una serie de comics publicada por Marvel, uno de los cómics menos conocidos, cuya primera aparición fue en 1998, en Sunfire & Big Hero 6 #1. Los cómics fueron creados por Steven T. Seagle y Duncan Rouleau, y como toda adaptación cinematográfica, está cargada de diferencias respecto a la obra original, tales como los nombres de los personajes, o la apariencia de ellos. Empezando por su protagonista, que en el cómic se llama Hiro Takachiho.

También hay muchas diferencias en su trama. El protagonista es reclutado por el gobierno para unirse a un grupo de agentes para formar Big Hero 6. En los cómics, Baymax es un robot que es capaz de transformarse en dragón. Algunos personajes si que conservan su nombre original, pero sus características son diferentes, como Honey Lemon, cuyos conocimientos de la química es capaz de crear sustancias que sacan al grupo de más de un apuro. GoGo Tomago es capaz de convertir su cuerpo en una fuerza explosiva. En la película, era la chica que tenía esos patines tan molones. Y también son personajes comunes Wasabi y Fred. En 2008, Marvel lanzó una nueva serie de de cinco tomos.

From Hell (Desde el Infierno en España), está basada en una novela gráfica creada por Alan Moore y Eric Campbell. Intriga de ambientación histórica. La historia de From Hell se basa en el mito de Jack El Destripador y analiza la sociedad del Londres de finales del siglo XIX, desde el punto de vista de un inspector de policía que investiga los asesinatos.

From Hell está considerada como la obra más importante de Alan Moore, junto con Watchmen. Antes de leerla, es aconsejable tener en cuenta que la animación puede no gustar a todo el mundo y puede resultar algo confusa, pero es muy buena respecto al tono de la historia. Y luego que requiere un 100% de atención en su lectura, para ir cogiendo todos los detalles que se narran.

En 2001 se estrenó su adaptación cinematográfica, protagonizada por Johnny Depp en el papel de inspector Frederick Abberline, Heather Graham e Ian Holm interpretando a Sir William Gull. La película es muy recomendable, no solo porque sus personajes están bien llevados, sino también por la ambientación del Londres victoriano, así como la crítica a la sociedad de la época. (tráiler)

Otro personaje, esta vez del Universo DC, también creado por Alan Moore es John Constantine. Apareció por primera vez en Swamp Thing #37 en Junio de 1985. Constantine es reconocible por su vestimenta: una gabardina color beige. Domina los poderes de la oscuridad así como criaturas malditas, aunque no suele utilizar hechizos en los combates, sino que suele hacer uso de su inteligencia. En 1988 se empezó a publicar Hellblazer, una serie de historietas de terror para adultos que tiene como protagonista a John Constantine.

En 2005 se estrenó la película, protagonizada por Keanu Reeves en el papel protagonista, Rachel Weisz y Shia LaBeouf, y trata sobre un hombre que nació con el poder de  de identificar tanto a los ángeles como a los demonios. Tras suicidarse, vuelve a la vida para custodiar la frontera entre el cielo y el infierno. Pero podría decirse que es un ejemplo de anti-héroe, ya que fuma como un carretero, y odia toda idea de heroísmo. En cuanto a las diferencias respecto al cómic, John Constantine es rubio y su forma de vestir es diferente a la que vemos en la película. Además, la trama de desarrolla en Liverpool, mientras que en la película es en Los Ángeles. También se muestra un John Constantine más oscuro, a diferencia del cómic que tiene un carácter más extrovertido. (tráiler)

El 24 de octubre de 2014, NBC estrenó Constantine, una serie de televisión también basada en los cómics de Hellblazer. En esta serie, el personaje estaba interpretado por Matt Ryan. La serie cuenta con 13 episodios. Mucho se ha hablado de que este personaje no ha tenido mucha suerte en sus adaptaciones, ya que la de Keanu Reeves no tuvo demasiado éxito, y la serie parece ser que ha seguido su misma estela, ya que el 8 de mayo de 2015, la NBC anunció su cancelación, debido en parte al boom de series de superhéroes, la idea sobre si la NBC es una opción acertada para hacerse cargo de la serie, por obviar ciertas cosas sobre el personaje, como el hecho de que no pudiese fumar, el tema del presupuesto o la acogida por parte de los fans. (tráiler)

El 4 de noviembre de 2015, John Constantine pasó a formar parte del Arrowverso. En el quinto episodio de la cuarta temporada de Arrow, Haunted, Constantine tiene una función interesante tanto en la trama principal de la serie como en los flashbacks. No hay duda de que es uno de los mejores episodios de la cuarta temporada.

Oldboy es la adaptación de un manga publicado en 1997 por Garon Tsuchiya, y como toda adaptación, también tiene sus diferencias. La historia es la misma, pero cambian cosas sobre los personajes. Sobretodo la personalidad del personaje principal, que puede resultar algo exagerada en cuando a su insociabilidad. Pero la gran diferencia entre la película y el manga es la razón por la que el protagonista quiere vengarse. En la película es por el suicidio de su hermana, mientras que en el manga, es debido a una experiencia en el instituto, que es entonces cuando el protagonista comprende que nunca llegará a ser alguien, y culpa a la sociedad.

En 2003 se estrenó su adaptación cinematográfica dirigida por Park Chan-wook, procedente de Corea. Forma parte de la conocida como «Trilogía de la Venganza», junto a Sympathy for Mr. Vengeance y Sympathy for Lady Vengeance. La película trata sobre un hombre de negocios coreano que es secuestrado y encerrado durante años en una celda en la que sólo hay una televisión, pero no sabe el motivo por el que está allí. (tráiler) Es de esas películas que no gustan a todo el mundo y que quizá no te atraigan desde el principio, pero es conveniente darle una segunda oportunidad.

En 2013 se estrenó el remake americano protagonizado por Josh Brolin, Elizabeth Olsen, y Samuel L. Jackson. (tráiler)

Entrando ya en el género de la ciencia-ficción, Al filo del mañana está basada en All You Need Is Kill, una novela ligera creada por Hiroshi Sakurazaka (historia), y por Yoshitoshi ABe (arte), publicado en 2004. La historia se narra desde el punto de vista de Keiji Kiriya, un nuevo recluta que se enfrenta a los "Mimics", una especie alienígena que ha invadido la tierra. En su primer enfrentamiento es asesinado durante la batalla. Inexplicablemente, consigue revivir un día antes de la batalla, viéndose atrapado en un bucle, repitiéndose los acontecimientos una y otra vez. Esto le supondrá una ventaja para mejorar como soldado y adelantarse a los hechos para intentar cambiar su destino.
En 2014 se lanzó un manga basado en esta novela, creado por Ryōsuke Takeuchi y Takeshi Obata, publicado en la revista Weekly Shonen Jump.

En mayo de 2014 se estrenó Al filo del mañana, protagonizada por Tom Cruise (en el papel de Tom Cruise), Emily Blunt como Rita Vrataski, y Bill Paxton como el Mayor Farrell, ambos personajes originales de la novela. Tom Cruise interpreta a un inexperto oficial del ejército, es obligado a entrar en combate y muere durante la ofensiva contra la especie alienígena, entrando así en un bucle temporal que le permitirá hacerse más hábil en el combate. (tráiler)

En 2005, Joseph Kosinski comenzó a escribir una serie de novelas gráficas llamada Oblivion, publicada para Radical Comics. En Oblivion nos encontramos con un futuro en el que el mundo ha sido devastado a causa de una guerra nuclear contra una raza alienígena que atacó el planeta. A pesar de la victoria de los humanos, se vieron obligados a abandonar la Tierra, quedando en ella unos pocos encargados de controlar las máquinas y protegerlas de los ataques de los alienígenas supervivientes. El argumento es bien simple y no aporta muchas novedades al género, pero puede resultar muy entretenido para aquellos a los que les gusten las historias de ciencia ficción.

En 2013 se estrenó Oblivion, dirigida por el mismo creador de la novela, Joseph Kosinski, estando protagonizada por Tom Cruise, quien interpreta a un ex-comandante y antiguo astronauta, que es uno de los pocos humanos que habitan la Tierra, ocupándose el mantenimiento de las máquinas, y que no tardará en descubrir que las cosas no son como él creía. A Tom Cruise le acompañan Andrea Riseborough, Olga Kurylenko, Morgan Freeman y Nikolaj Coster-Waldau. (tráiler) No podemos pasar a la siguiente sin hacer una mención a su banda sonora. El tema principal, Oblivion, está interpretado por M83 con Susanne Sundfør, y es una canción bastante buena.

Una de las adaptaciones más famosas es Men in Black (Hombres de Negro). Las historietas fueron creadas por Lowell Cunningham e ilustradas por Sandy Carruthers, y ha sido publicada por diferentes editoriales (Aircel Comics, Malibu Comics y finalmente fue adquirida por Marvel). Las historietas tratan sobre una agencia secreta que controla toda actividad paranormal y extraterrestre, investigando además sucesos con vampiros, demonios, mutantes, etc. A diferencia de la película, que solo abordaba el tema de los extraterrestres, obvia el tono oscuro de los cómics.

La película se estrenó en 1997, y estaba protagonizada por Tommy Lee Jones, en el papel del agente K, y Will Smith como el agente J (aunque su personaje en los cómics era caucásico). El modo en que se muestra en la película a los Hombres de Negro es muy diferente a los cómics, que se muestra de una forma más oscura que en la película. A Men in Black le siguieron dos secuelas: Men in Black 2 (2002), y Men in Black 3 (2012). Así como una serie de animación.

Scott Pilgrim es una serie de novelas gráficas dibujada por Bryan Lee O'Malley, y está compuesta por seis tomos. El cómic cuenta la historia de Scott Pilgrim, un joven que trata de conquistar a una chica llamada Ramona Flowers. Aunque en un principio pueda parecer una comedia romántica, a lo largo de la obra vemos múltiples referencias a la cultura popular como videojuegos, música o los cómics. Esta saga fue una de las más vendidas de la década de los 2000. Debido a este éxito, en el año 2010 se estrenó su adaptación al cine: Scott Pilgrim contra el mundo, dirigida por Edgar Wright (Shaun of the Dead), y protagonizada por Michael Cera, Mary-Elizabeth Winstead, Chris Evans, Anna Kendrick y Brandon Routh. Y en ella se narraba la misma historia que los comics, conquistar a la chica pero no sin antes vencer a sus siete ex-novios malvados. (tráiler) Como toda adaptación, está llena de diferencias respecto a la obra original.

RED (Retired Extremely Dangerous), es una serie de cómics publicados por DC Comics entre 2003 y 2004, y fue creado por Warren Ellis y Cully Hamner. El protagonista principal es Frank Moses, un ex-agente de la CIA que se encargaba de operaciones turbias. Actualmente vive retirado hasta que unos agentes irrumpen en su casa e intentan matarle. Finalmente, Frank tendrá que descubrir quién trata de asesinarle y porqué.

En 2010 se estrenó Red, con un reparto de renombre, con Bruce Willis como protagonista, acompañado por John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Karl Urban, Mary-Louise Parker y Brian Cox. Dado que las historietas eran demasiado cortas para una película y había escasos personajes, se tomó la decisión de alargar la serie para poder hacer un largometraje, y es por ello que aparecieron nuevos personajes. (tráiler)

Obviamente, al ver la película, notas en seguida que no hay rastro de ese tono oscuro que caracteriza los cómics, sino que está llevada con un toque de comedia. Los propios personajes ayudan mucho. Bruce Willis se sirve de sus anteriores papeles en películas de acción, al igual que Morgan Freeman. Pero el que más destaca en ese aspecto es John Malkovich, protagonista de las escenas más cómicas de la película, como esta. O una de las más elaboradas escenas de acción aunque pueden resultar algo delirantes, como esta.

En 2013 se estrenó su secuela con parte del elenco de la primera parte.

Ghost World es un cómic alternativo estadounidense publicado entre junio de 1993 y marzo de 1997, en los números 11 y 18 dentro de la serie de cómics Eightball, escrito e ilustrado por Daniel Clowes. Fue publicado por primera vez en formato de historieta en 1997. La historia se centra en Enid Coleslaw y Rebecca Doppelmeyer, dos adolescentes algo cínicas pero inteligentes que se acaban de graduar en el instituto y pasan sus días sin un rumbo fijo. La obra está considerada como una crítica social y hace hincapié en el paso de la adolescencia a la madurez. Se trata de un drama con algunos toques de humor negro. La obra fue todo un éxito entre el público más joven llegando a considerarse una obra de culto.

En 2001 se estrenó su adaptación cinematográfica estando protagonizada por Thora Birch, Scarlett Johansson y Steve Buscemi, quién interpreta a Seymour, un coleccionista de discos solitario y apartado de la sociedad. La película tuvo mucho éxito y siguió los pasos de la obra original convirtiéndose en una película de culto siendo una de las mejores adaptaciones de cómics. (tráiler)